El arte coreano y japonés mira hacia adentro en la feria ART OnO de Seúl

ARARIO GALLERY reúne once artistas coreanos y japoneses en el SETEC de Seúl para ART OnO 2026 — no un escaparate comercial, sino una tesis precisa sobre lo que el arte contemporáneo del noreste asiático está buscando decir ahora mismo.

Hay una cualidad de repliegue en las obras que ARARIO GALLERY ha reunido en el Booth 101. No huida — repliegue como método artístico. Las pinturas, esculturas e instalaciones de esta presentación comparten un rechazo a desplegarse hacia el exterior. Comprimen. Se vuelven hacia el yo, la memoria, la ansiedad apenas perceptible que opera bajo la superficie de la experiencia ordinaria. Para un público hispanohablante formado en la tradición que va de Goya a Tàpies — del capricho como radiografía del inconsciente colectivo hasta la materia como memoria física — esta postura tiene resonancias profundas. Pero llega aquí desde un espacio cultural radicalmente distinto, y es precisamente eso lo que le otorga su fuerza particular.

SIM Raejung hace de esta postura una estructura: soledad, impotencia, el conflicto entre instinto y norma social, traducidos en pintura e instalación con imágenes que desestabilizan sin explicarse. KANG Cheolgyu, cuya exposición individual en la ARARIO GALLERY SEOUL abrirá en mayo de 2026, trabaja a través de lo que él mismo llama proyección — deseo personal e historia emocional traducidos en mundos ficticios, la autobiografía del sentir más que del acontecer. Juntos enuncian la tesis del booth antes de que ninguna otra obra se haga visible.

La tesis se profundiza a través de tres registros adicionales. KOO Jiyoon, AN Gyungsu y Kohei YAMADA — nacidos en 1982, 1975 y 1997 respectivamente — abordan cada uno el paisaje, pero ninguna versión del paisaje aquí es consoladora ni panorámica. KOO lee las ciudades a través de sus superficies envejecidas y sus estratos temporales — los edificios como tiempo psíquico acumulado, una lectura que en el contexto latinoamericano resuena con la tradición del muralismo urbano y su obsesión por las capas históricas visibles en la arquitectura popular. AN Gyungsu encuentra sus motivos en los márgenes del espacio urbano, en materiales y lugares aparentemente olvidados, descubriendo en esa periferia una sensibilidad flotante y desarraigada. Su obra expuesta Euseuseu (2025) captura la textura de la roca costera con una precisión casi fotográfica que el acrílico raramente alcanza — una superficie simultáneamente geológica y psicológica. YAMADA, el más joven de la presentación, atraviesa la frontera entre ciudad y naturaleza mediante planos de color geométricos y una contención compositiva que hace visible, en lenguaje abstracto, la relación entre entorno y percepción humana.

LEE Eunsil, LIM Nosik y CHA Hyeonwook ocupan el registro intermedio — memoria y experiencia personal, pero con una precisión que se acerca más a la arqueología del yo que a la nostalgia. LEE trabaja en la tensión entre deseo y constricción social. LIM Nosik presenta imágenes fragmentadas de sí mismo, el sujeto visto a través del obstáculo o la distancia, nunca plenamente legible. La práctica de CHA Hyeonwook es quizás la más materialmente singular de toda la presentación: pinceladas en seco repetidas sobre hanji, el papel tradicional coreano, estratificadas con pigmentos minerales — fragmentos de memoria que se acumulan en superficie, la mano misma como acto de rememoración. Su obra Seen via Day Moon (2026) es visualmente extraordinaria: un paisaje de formaciones rocosas fantásticas y cuerpos celestes donde la materia tradicional coreana y la imaginación cosmológica colisionan con algo enteramente contemporáneo. La pregunta sobre el vínculo entre gesto, materia y significado encuentra aquí un eco inesperado con la tradición del informalismo español — de Tàpies a Millares — y con la pintura matérica latinoamericana que ha explorado el soporte como campo de memoria colectiva.

El cuarto registro — NOH Sangho, GWON Osang, Kohei NAWA — es donde la presentación se enfrenta más directamente con el lenguaje del arte contemporáneo como disciplina en expansión. NOH Sangho utiliza imágenes en línea e imágenes generadas por inteligencia artificial como materiales en pinturas al óleo sobre lienzo: su obra HOLY (2026) es simultáneamente devocional y desestabilizada — santos y guerreros ensamblados desde el diluvio de imágenes de internet, una pintura que plantea la pregunta de qué significa pintar cuando las fuentes son algorítmicas. Esta interrogación tiene una resonancia particular en el mundo hispanohablante, donde el debate sobre la imagen generada y su estatuto artístico ha entrado con fuerza en las últimas ediciones de ARCO Madrid y en las conversaciones de las ferias latinoamericanas más activas. GWON Osang cuestiona desde hace décadas la identidad de la escultura desde dentro, produciendo obras que atraviesan lo fotográfico y lo tridimensional sin establecerse en ninguno de los dos. Kohei NAWA — la figura internacionalmente más reconocida del booth — trabaja con la materia y la superficie a través de la escultura, la instalación y medios diversos. Su obra PixCell-Random (Cloud) #09 (2026) continúa su larga investigación sobre cómo la percepción es mediada por los objetos interpuestos entre espectador e imagen: esferas de vidrio aplicadas sobre un sustrato fotográfico en un marco de madera, que parecen pixelar una nube, refractándola en algo simultáneamente digital y táctil.

La pareja Corea-Japón lleva consigo un peso que el comunicado de prensa no nombra directamente. La relación cultural entre estos dos países es de las más complejas de Asia oriental — historia colonial, intercambio estético, tensión persistente e influencia mutua genuina operando de manera simultánea. Colocar a Kohei NAWA y Kohei YAMADA junto a nueve artistas coreanos en un booth de feria de arte en Seúl no es un gesto neutro. Propone — discretamente pero con claridad — que preocupaciones estéticas compartidas constituyen un lenguaje artístico regional que excede las fronteras nacionales. América Latina, cuya historia artística ha estado marcada precisamente por esa tensión entre identidad nacional y vocación universal — desde el muralismo mexicano hasta la abstracción geométrica brasileña, desde Torres García hasta el arte conceptual porteño — está especialmente preparada para leer esta propuesta con toda su complejidad.

Seúl ha consolidado en los últimos años su posición como capital mundial del arte, en parte gracias a la credibilidad institucional generada por la llegada de Frieze Seoul, en parte gracias al crecimiento extraordinario del coleccionismo coreano — un fenómeno ahora plenamente visible en las grandes casas de subastas, en las galerías de Madrid y en las ferias de Ciudad de México, Buenos Aires y São Paulo, donde la presencia del arte asiático contemporáneo crece de manera sostenida. ART OnO opera dentro de este ecosistema ampliado — no en su extremo más visible internacionalmente, sino en la infraestructura de soporte que mantiene funcionando un mercado del arte serio.

Lo que la presentación de ARARIO GALLERY en ART OnO 2026 ofrece en última instancia es un contrapeso — al relato del arte contemporáneo coreano como espectáculo global. Once artistas, dos países, una orientación compartida: no hacia el mundo, sino hacia la arquitectura interior del estar en él. En un mercado que ha recompensado en ocasiones la visibilidad por encima de todo lo demás, este booth defiende con precisión la causa de la profundidad — y recuerda que el arte más duradero es siempre aquel que se niega a dejarse ver del todo.

El arte coreano y japonés mira hacia adentro en la feria ART OnO de Seúl

Más como esto

ARARIO GALLERY CHEONAN presenta retrospectiva del artista coreano Unbo Kim Ki Chang

El Jardín Metálico de KIM Byoungho: Una Odisea Escultórica

ARARIO GALLERY SEOUL Inaugura la exposición individual de LEE Dongwook: Rojo y brillante

Suh Yongsun Presenta su Nueva Exposición en ONE AND J. Gallery, Seúl

Kejoo Park: «Ecos en el tiempo» – Galería Space776, Nueva York.

OGAMDO: Cinco escenas del arte coreano

Debate