Tate Britain presenta «Los 80: Fotografiar Gran Bretaña», una muestra fundamental que examina la década como un momento crucial para el desarrollo de la fotografía. Reuniendo cerca de 350 imágenes y materiales de archivo de esa época, la exposición investiga cómo los fotógrafos emplearon la cámara para responder a los profundos cambios sociales, políticos y económicos a su alrededor. A través de sus lentes, la muestra analiza cómo el medio se convirtió en una herramienta para la representación social, la celebración cultural y la expresión artística durante este significativo y altamente creativo período para la fotografía.
Esta exposición es la mayor hasta la fecha en estudiar el desarrollo de la fotografía en el Reino Unido durante los años 80. Con la participación de más de 70 artistas y colectivos basados en la fotografía, pone de relieve a una generación que se involucró con nuevas ideas sobre la práctica fotográfica, desde nombres bien conocidos hasta aquellos cuyo trabajo está siendo cada vez más reconocido, incluyendo a Maud Sulter, Mumtaz Karimjee y Mitra Tabrizian. Se presentan imágenes tomadas a lo largo y ancho del Reino Unido, desde los paisajes post-industriales de John Davies hasta los retratos de Tish Murtha sobre el desempleo juvenil en Newcastle. Se exploran desarrollos importantes, desde los avances técnicos en la fotografía a color hasta el impacto de la teoría cultural por académicos como Stuart Hall y Victor Burgin, y publicaciones influyentes como Ten.8 y Camerawork, en las cuales surgieron nuevos debates sobre la fotografía.
Los años 80 introducen la Gran Bretaña de Thatcher a través de la fotografía documental que ilustra algunos de los eventos políticos más tumultuosos de la década. La historia cobra vida con imágenes poderosas de las huelgas de mineros por John Harris y Brenda Prince; manifestaciones contra el racismo por Syd Shelton y Paul Trevor; imágenes de Greenham Common por Format Photographers y proyectos que responden al conflicto en Irlanda del Norte por Willie Doherty y Paul Seawright. También se presenta la fotografía que documenta una Gran Bretaña cambiante y sus crecientes disparidades, a través de las imágenes de Anna Fox sobre el exceso corporativo, las observaciones de Paul Graham en las oficinas de seguridad social, y las representaciones absurdas de Martin Parr de la Inglaterra Media, expuestas junto a los retratos de Markéta Luskačová y Don McCullin del desaparecido East End de Londres y los transitorios ‘sea-coalers’ de Chris Killip en Northumberland.
Una serie de exhibiciones temáticas exploran cómo la fotografía se convirtió en una herramienta convincente para la representación. Para Roy Mehta, Zak Ové y Vanley Burke, quienes retratan sus comunidades multiculturales, la fotografía ofrece una voz a las personas a su alrededor, mientras que el Proyecto de Autorretrato de Handsworth de John Reardon, Derek Bishton y Brian Homer de 1979, proporciona un espacio alegre para que una comunidad se exprese. Muchos fotógrafos negros y del sur de Asia utilizan el retrato para superar la marginalización contra un trasfondo de discriminación. La exposición destaca a artistas que usan cámaras como Roshini Kempadoo, Sutapa Biswas y Al-An deSouza, quienes experimentan con imágenes para pensar en identidades diaspóricas, y figuras como Joy Gregory y Maxine Walker que emplean el autorretrato para celebrar ideas de belleza y feminidad negra.
Contra el telón de fondo de la Sección 28 y la epidemia del SIDA, los fotógrafos también usan la cámara para afirmar la presencia y visibilidad de la comunidad LGBTQ+. Tessa Boffin reimagina subversivamente personajes literarios como lesbianas, mientras que la serie ‘Relaciones Familiares Pretendidas’ de Sunil Gupta de 1988, yuxtapone retratos de parejas queer con el texto legislativo de la Sección 28. Para algunos, su trabajo recupera una positividad sexual durante un período de temor. La exposición resalta a fotógrafos como Ajamu X, Lyle Ashton Harris y Rotimi Fani-Kayode, quienes centran las experiencias negras queer y desafían estereotipos a través de estudios desnudos poderosos y retratos íntimos. También revela cómo fotógrafos fuera de la comunidad queer, incluyendo a Grace Lau, fueron invitados a retratarlos. Conocida por documentar subculturas fetichistas, la serie de Lau ‘Him and Her at Home’ de 1986 y ‘Series Interiors’ de 1986, registra con ternura a miembros de esta comunidad desafiando con su existencia.
La exposición cierra con una serie de obras que celebran los movimientos contraculturales de los años 80, como la enérgica documentación de Ingrid Pollard y Franklyn Rodgers sobre las actuaciones underground y la cultura de clubes. La muestra destaca el surgimiento de la revista i-D y su impacto en una nueva generación de fotógrafos como Wolfgang Tillmans y Jason Evans, quienes junto al estilista Simon Foxton, pioneran un estilo vanguardista de fotografía de moda inspirado por esta ola alternativa y emocionante de cultura juvenil, reflejando una nueva visión de Gran Bretaña al alba de los años 90.
