En mayo de 2024, la Galería Thomas Dane presentará dos grupos seminales de obras de Lynda Benglis (n. 1941, Lake Charles, Louisiana). Exhibidas juntas aquí, décadas después de que se vieron por primera vez en los EE. UU., las esculturas anudadas y los videos de Benglis de 1972 a 1976 muestran más exuberancia inalterada y aventura duradera que nunca.
La primera mitad de los años setenta vio a Benglis luchar con la estética de aristas duras de los sesenta, distorsionando sus formas e ideologías ortodoxas: arrugándolas, retorciéndolas y anudándolas. Congelando estos forcejeos en el tiempo, Benglis embellece cada uno de sus «nudos» con destellos, yeso y pintura, o incluso los rocía con revestimientos metálicos.
Es fácil ver la progresión de Hoofers I & II (1972) a los «nudos» propios, a medida que Benglis comienza a contorsionar y experimentar con sus materiales, comenzando con largos tubos de malla de alambre cubiertos con tela de algodón y yeso, retorciendo y atando estas formas antes de adornarlas con pintura, purpurina y otros materiales decorativos. Sintetizando sus propios encuentros con las pinturas «zip» de Barnett Newman y sus esculturas Here, así como las composiciones «anti-forma» de Eva Hesse, Benglis absorbe e interroga su entorno artístico de la época.
Descritos en 1974 como «demasiado chillones para ser bonitos y demasiado hermosos para ser vulgares» por el crítico John Perreault, los «nudos» de Benglis no solo desafían el contexto del gusto, sino que también se contradicen con los métodos industriales de producción empleados por personajes como Donald Judd y Dan Flavin, que caracterizaron estéticas minimalistas predominantes de la época.
En lo que se considera la «primera década» del video, Lynda Benglis comenzó a experimentar con el medio cuando estaba enseñando en la Universidad de Rochester en el estado de Nueva York, y fue una de las pocas artistas que estaban superando las limitaciones de esta nueva tecnología. Si bien sus esculturas anudadas son dramáticas y performativas, sus piezas de video se vuelven contrariamente pausadas y esculturales.
Las experimentaciones de Benglis en imagen en movimiento y sonido, especialmente en las obras reunidas en esta exposición: Collage (1973), Now (1973), y Document (1972), son pruebas francas en la superposición de espacio, imagen y tiempo. Benglis capa y vuelve a capa la imagen de su propio rostro, empujando y tirando del enfoque entre el fondo y el primer plano, y jugando con los diferentes niveles de realidad incrustados en la cinta de video. Dentro de la pantalla, el Yo queda atrapado en un estado de repetición atemporal.
Aunque la obra de Benglis hasta la fecha es inherentemente autorreferencial, Home Tape Revised (1972) es probablemente una de las obras más abiertamente autobiográficas expuestas. En este video, Benglis documenta a su familia en una visita de regreso a Louisiana. Luego se grabó a sí misma revisando las imágenes y narrando, o revisando, este íntimo video casero. La distancia emocional de su soliloquio de la intimidad inherente crea abismos de espacio y capas de interpretación sobre la imagen dentro de una imagen.
Tan cierto ahora como hace cincuenta años, los procesos explícitamente físicos y psíquicos de Lynda Benglis ponen su propio cuerpo en un medio propio; un medio que ha perdurado décadas más allá de la tecnología de la época. Ya sea grabado en un video o impreso en una escultura anudada, sus exploraciones del Yo en los años 1972-1976 no solo estaban adelantadas a su tiempo, sino que marcaron el comienzo de su propia carrera pionera.
Desde la década de 1960, Lynda Benglis ha sido celebrada por sus formas libres y extáticas que son simultáneamente lúdicas y viscerales, orgánicas y abstractas. Benglis comenzó su carrera en medio del arte postminimalista, empujando las tradiciones de la pintura y la escultura hacia nuevos territorios. Su obra, compuesta por una variedad de materiales, desde cera de abejas, látex y espuma de poliuretano hasta innovaciones posteriores con yeso, oro, metales vaporizados, vidrio, cerámica y papel, demuestra una fascinación continua por el proceso y la experimentación. La adopción de formas fluidas, color y superficies sensuales juega un gran papel en su constante investigación de la experiencia sensorial.
Las exposiciones individuales institucionales seleccionadas incluyen: Lynda Benglis, Nasher Sculpture Center, Dallas TX (2022); Lynda Benglis, National Gallery of Art, Washington, D.C. (2021); En el Reino de los Sentidos, Museo del Arte Cicládico, presentado por NEON, Atenas, Grecia (2019); Lynda Benglis: Face Off, Kistefos-Museet, Jevnaker, Noruega (2018); Lynda Benglis: PRAXES en Bergen Assembly, Bergen, Noruega (2016); Lynda Benglis, Aspen Art Museum, Aspen CO (2016); Lynda Benglis: Water Sources, Storm King Art Center, Mountainville NY (2015); Lynda Benglis, The Hepworth Wakefield, Wakefield, Inglaterra (2015); Lynda Benglis: Flujos y Marcas, Kunstiftung Erich Hauser, Rottweil, Alemania (2012), y Lynda Benglis, Van Abbemuseum, Eindhoven, Países Bajos (2009) [viajó a: Irish Museum of Modern Art, Dublin, Irlanda (2009); Le Consortium, Centre d’Art Contemporain, Dijon, Francia (2010); Museo de Arte, Escuela de Diseño de Rhode Island, Providence RI (2010); New Museum of Contemporary Art, New York NY (2011); Museo de Arte Contemporáneo, Los Angeles CA (2011)] entre muchos otros.
Las colecciones públicas seleccionadas incluyen: Tate Modern, Londres; Museo de Arte de Dallas, Dallas TX; Museo de Arte Contemporáneo, Chicago IL; Museo de Arte Contemporáneo, Los Angeles CA; El Museo de Arte Moderno, Nueva York NY; Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York NY; Galería Nacional de Victoria, Melbourne, Australia, entre muchos otros.
Benglis es receptora de una beca Guggenheim y dos subsidios del National Endowment for the Arts, entre otras distinciones.
