La nueva película tailandesa El mismo día contigo se presenta, en apariencia, como una comedia romántica construida en torno al conocido tropo cinematográfico del bucle temporal. La premisa es sencilla: una joven privilegiada se ve obligada a revivir el peor día de su vida hasta que encuentre la manera de romper el ciclo. Aunque las comparaciones con obras canónicas del subgénero como Atrapado en el tiempo son inevitables, tales paralelismos resultan simplistas. La película, una producción de Netflix con una duración de 118 minutos, demuestra una agenda más deliberada y ambiciosa. Utiliza el accesible marco de una comedia romántica de alto concepto no como un fin en sí mismo, sino como un sofisticado vehículo narrativo para una exploración matizada y profunda del trauma psicológico y la recuperación. La intención declarada de los cineastas de crear una obra que se distinga del género es evidente desde sus fundamentos conceptuales. El guion, escrito por Rangsima Akarawiwat, nació de la experiencia de consolar a una amiga con el corazón roto, lo que llevó a la decisión consciente y explícita de alegorizar las cinco etapas del duelo dentro de la estructura iterativa de un bucle temporal. Esto posiciona a la película como una reflexiva subversión de su género, utilizando la mecánica de la repetición para trazar el complejo y no lineal proceso de la sanación.
La arquitectura de este día repetitivo está meticulosamente diseñada para deconstruir la vida, a su vez meticulosamente construida, de la protagonista. Se nos presenta a Mesa Worathepanant, una curadora de la alta sociedad cuya existencia es un testamento de orden, prestigio y control. Su día catastrófico, el 8 de agosto de 2025, se desarrolla como un doble asalto a su identidad. Primero, el prometido de sus sueños, una figura elegante interpretada por Trisanu Soranun, pone fin abruptamente a su relación, destrozando su narrativa personal de un futuro perfecto. Al mismo tiempo, sufre un cataclismo profesional cuando un artefacto de valor incalculable bajo su cuidado, la sagrada Piedra de Sirisila, resulta dañado. Esta confluencia de fracasos personales y profesionales crea el crisol en el que queda atrapada. La elección de la profesión es temáticamente resonante; la vocación de un curador es la preservación y organización de objetos, la cuidadosa construcción de narrativas en torno al valor y la historia. La vida de Mesa es, en esencia, una exposición curada de éxito. El bucle temporal, por lo tanto, se convierte en la antítesis última de su ser, un estado de profunda impotencia que obliga a esta maestra del control a enfrentarse a una realidad caótica que ya no puede organizar, catalogar o contener.
En su núcleo, la película funciona como una convincente externalización de un proceso psicológico interno. El recurso narrativo del bucle temporal proporciona una gramática visual y tangible para la abstracta experiencia emocional del duelo. El guion de Rangsima Akarawiwat transforma el modelo de Kübler-Ross en una serie de acciones narrativas, permitiendo al público presenciar el viaje de Mesa a través de la negación, la ira, la negociación, la depresión y la eventual aceptación, no como un monólogo interno, sino como una secuencia de experimentos observables de ensayo y error. En los bucles iniciales, sus acciones se caracterizan probablemente por una negación frenética, intentando remediar los desastres del día con soluciones superficiales. A medida que la futilidad de este enfoque se hace evidente, su comportamiento cambia, pasando por una ira destructiva y una negociación desesperada con el universo y las figuras que pueblan su día. Sigue un período de resignación apática, un claro análogo de la depresión, antes de que comience a abordar el día repetitivo no como una prisión de la que escapar, sino como un rompecabezas que debe ser entendido. Esta elección estructural permite a la película explorar la naturaleza a menudo repetitiva del procesamiento del trauma, donde el progreso no siempre es lineal. El objetivo declarado de la producción era ofrecer algo tan reconfortante como el abrazo de un amigo, y lo logra desmitificando el proceso de sanación, presentándolo como un viaje difícil pero navegable hacia una nueva perspectiva sobre los desafíos de la vida.
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Esta narrativa psicológica se apoya en una rica y simbólica puesta en escena. La película está ambientada en el país ficticio de Chinlin, una elección deliberada de construcción de mundo que desvincula la historia de una realidad contemporánea específica y la sitúa en un espacio ligeramente mitificado, casi fabulesco, donde un evento alegórico como un bucle temporal parece más plausible. La estética de Chinlin es una composición inspirada en el arte de diversos países de Asia Oriental, creando un paisaje visual único. Un elemento central de este mundo es el grandioso y realista Museo Worathepanant, que funciona como una potente metáfora de la propia psique de Mesa: exteriormente perfecto, ordenado e impresionante, pero que contiene un núcleo frágil a punto de hacerse añicos. El diseño de producción está repleto de lo que los cineastas describen como simbolismo oculto, invitando a una visualización atenta. El más significativo de estos es la venerada estatua de la Diosa del Lazo Rojo, un objeto cuyo diseño, inspirado en el arte tibetano, incorpora un lazo rojo atado en forma de símbolo de infinito. Esta es una articulación visual directa del tema central de la película sobre los ciclos interminables, una señal no verbal que refuerza la situación de la protagonista. Incluso el vestuario de Mesa está impregnado de significado, cada atuendo refleja su estado inicial de perfección curada y cambia sutilmente a medida que su paisaje interno se transforma. Los elementos estéticos no son meramente decorativos; son componentes integrales de la arquitectura temática de la película.
El formidable desafío de esta estructura narrativa recae sobre los intérpretes, especialmente sobre la actriz principal, Jarinporn Joonkiat. Figura consumada y galardonada del cine tailandés, la tarea de Joonkiat es retratar a un personaje externamente estático pero internamente dinámico. Su interpretación debe funcionar como un palimpsesto, donde cada iteración del día se superpone con el peso psicológico acumulado de todos los bucles anteriores. Debe transmitir la creciente frustración, desesperación y la eventual sabiduría obtenida de cada fracaso, asegurando que el público perciba las huellas de los intentos pasados bajo la superficie de cada «nuevo» día. Su retrato de la brillante y genuina amabilidad de Mesa se convierte en la línea de base contra la cual se mide su transformación. El catalizador de esta transformación aparece en la forma de Ben, un entrañable y nerd colega curador interpretado por Warintorn Panhakarn, un veterano de los dramas televisivos tailandeses. En su primera colaboración en pantalla, su dinámica proporciona el ancla emocional de la película. Ben representa la única variable significativa en la ecuación repetitiva de Mesa, la persona con la que puede forjar un nuevo patrón de interacción. El arco narrativo es impulsado por la evolución de su relación con él a lo largo de los bucles, pasando del rechazo inicial a una dependencia y conexión graduales. El elenco de reparto, que incluye a Charlette Wasita Hermenau como una importante colega de Mesa y a Jaturong Phonboon aportando brillantez cómica, contribuye a una química genuina que ancla la premisa de alto concepto en una interacción humana creíble, un sello distintivo de los estilos de actuación tailandeses que a menudo buscan un «devenir» naturalista del personaje.
En última instancia, El mismo día contigo es una obra de notable madurez artística para sus creadores clave. El director Yanyong Kuruangkura, cuyas películas anteriores como App War y Mother Gamer mezclaban hábilmente la comedia con el comentario social contemporáneo, gira con éxito hacia una narrativa más interna y centrada en los personajes. La consolidada colaboración creativa con la guionista Rangsima Akarawiwat, quien también escribió App War, les permite aplicar su probada facilidad para premisas atractivas y de alto concepto a un tema de mayor profundidad emocional. La película cumple la ambición de Kuruangkura de crear algo que se distinga de la comedia romántica típica, utilizando los tropos del género como base para una investigación más profunda sobre la capacidad humana de resiliencia. Es una historia optimista, pero que se gana su calidez a través de un examen reflexivo del dolor. El mensaje final de la película es de un optimismo terapéutico: los bucles aparentemente ineludibles de nuestras vidas, ya sea nacidos del duelo o de la rutina, no son meras prisiones, sino que pueden ser crisoles para la reevaluación, el crecimiento y el descubrimiento de nuevas conexiones. Esta conmovedora aventura está disponible para su transmisión mundial en Netflix. La película se estrenó el 18 de septiembre.
