En conmemoración del bicentenario de la National Gallery, se celebra la reaparición pública de La Madonna con el Niño y Santos de Parmigianino (1526-1527) tras una meticulosa restauración. Esta obra maestra de la pintura italiana del siglo XVI fue donada a la galería en 1826, apenas dos años después de su fundación.
También conocida como La Visión de San Jerónimo, un título adquirido en el siglo XIX debido a la inusual representación del santo aparentemente dormido, la obra se exhibirá por primera vez junto a una selección de algunos de los dibujos preparatorios más importantes, rastreando el desarrollo de la composición final única de Parmigianino.
Gracias a préstamos generosos de colecciones nacionales e internacionales de gran prestigio, esta exposición ofrece a los visitantes una rara oportunidad de seguir el proceso creativo del artista, desde las ideas conceptuales iniciales hasta los diseños finales, y adentrarse en la mente de uno de los artistas más innovadores del Renacimiento.
Girolamo Francesco Maria Mazzola (1503-1540), conocido como Parmigianino por su lugar de nacimiento, Parma, en el norte de Italia, nació en una familia de pintores. Para sus veinte años, ya era reconocido como un talento precoz, atrayendo la atención de mecenas adinerados y cultos. Su creciente fama como artista precedió su llegada a Roma alrededor de mayo de 1524, donde fue recibido personalmente por el Papa Clemente VII. En ese momento, Roma estaba dominada por el estilo sereno y clasicista de Rafael, caracterizado por una belleza idealizada. La gracia, ingenio y refinamiento de la ejecución evidente en las primeras obras de Parmigianino le valieron ser aclamado como un ‘Rafael renacido’.
La Madonna con el Niño y Santos fue pintada por Parmigianino cuando tenía apenas 23 años, durante su breve estancia en Roma, donde trabajó desde 1524 hasta 1527. Fue encargada por una noble mujer, Maria Bufalini, como retablo para una capilla en la iglesia de San Salvatore in Lauro, un importante complejo religioso en el corazón de la ciudad. Esta comisión representaba una oportunidad crucial para el joven artista en un momento determinante de su carrera. Sin embargo, la pintura nunca fue instalada en la iglesia para la cual fue concebida.
Según Giorgio Vasari (1511-1574), Parmigianino estaba trabajando en este retablo en 1527, durante el estallido del desastroso Saqueo de Roma. Cuando las tropas imperiales de Carlos V irrumpieron en el estudio del artista, quedaron tan impresionadas por la pintura que permitieron a Parmigianino continuar trabajando. Eventualmente, él huyó de Roma y la pintura fue escondida para su protección. Solo fue recuperada por los herederos de la mecenas mucho después de la muerte del artista y transferida a la iglesia familiar en Città di Castello, en el centro de Italia.
La Madonna de Parmigianino demuestra la amplitud de las influencias que absorbió en Roma, desde el arte de Rafael y Miguel Ángel hasta la escultura antigua. Sin embargo, más que una simple compilación de las obras de otros artistas, revela el enfoque visionario y único de Parmigianino para la creación de imágenes.
Contra un fondo de rayos de luz, una majestuosa Madonna vestida de rosa se sienta en un trono de nubes ondulantes. Su hijo, un infante rubio con rizos, se adelanta hacia nosotros. Debajo de ellos, la figura sobrehumana de Juan el Bautista fija su mirada en nosotros mientras su brazo increíblemente largo dirige nuestra atención hacia la sagrada madre y el niño arriba. Detrás de él, un Jerónimo adormecido aparece extrañamente ajeno a la aparición divina, reclinado en el espeso enredo de raíces y hojas a su alrededor.
Parmigianino fue uno de los dibujantes más talentosos y prolíficos del siglo XVI. Casi 1,000 dibujos atribuidos a él sobreviven hoy en día, y en número y logro técnico, solo es superado por Leonardo da Vinci (1452-1519). Parmigianino dedicó numerosos dibujos al desarrollo de la Visión de San Jerónimo, desde estudios atmosféricos en tiza aterciopelada hasta bocetos en tinta y pluma. Estos revelan su exquisita habilidad en el dibujo y su extraordinaria maestría en diversos medios.
El reciente tratamiento de conservación ha eliminado capas acumuladas de barniz antiguo y retoques, revelando la calidad viva de la pincelada de Parmigianino y los ricos colores. El nuevo marco de la pintura, hecho por el Departamento de Enmarcado de la National Gallery, está diseñado basado en ejemplos contemporáneos sobrevivientes y ofrece una idea del entorno original de la iglesia donde la pintura debía estar.
El estilo distintivo de Parmigianino, caracterizado por figuras increíblemente alargadas y una refinada elegancia combinada con una subversión inesperada del espacio, allanó el camino para el desarrollo del estilo conocido posteriormente como Manierismo. Con su composición extremadamente vertical, pinceladas lujosas y una paleta resplandeciente, esta pintura ha asombrado a los espectadores durante casi 500 años. Esta exposición es una oportunidad para redescubrir una de las grandes obras maestras del primer Manierismo italiano tanto para el público como para los especialistas.
El catálogo de la exposición proporciona un recurso detallado sobre la pintura, elaborado por los curadores de la exposición, con contribuciones especiales de Aimee Ng, Curadora en la Frick Collection, Nueva York, y Larry Keith, Jefe de Conservación y Guardián de la Colección en la National Gallery. El catálogo también incluye una sección especial con ilustraciones a página completa de todos los dibujos preparatorios conocidos. La investigación de la Dra. Alambritis presentada en esta exposición ha sido apoyada por la Rick Mather David Scrase Foundation.
