Lo que el viento se llevó es el mayor éxito que ha logrado Hollywood una vez ajustada la inflación, y lleva más de ocho décadas sentada en el banquillo. La discusión empezó en los propios memorandos de su productor y sigue abierta en los catálogos de streaming.

Lo que el viento se llevó (Gone with the Wind) arranca en Georgia en 1861, en vísperas de la guerra de Secesión, en Tara, la plantación algodonera de la familia O’Hara. Escarlata O’Hara (Vivien Leigh), la impetuosa hija mayor, solo tiene ojos para Ashley Wilkes (Leslie Howard), que está a punto de casarse con su prima Melania Hamilton (Olivia de Havilland). En la fiesta de compromiso, celebrada en la finca vecina de Doce Robles, Ashley rechaza a Escarlata, y un invitado de mala reputación, Rhett Butler (Clark Gable), se fija en ella. Entonces llega la noticia del ataque a Fort Sumter y los jóvenes del condado corren a alistarse.

A partir de ahí, la historia atraviesa la guerra y lo que vino después. Escarlata se casa con Charles, el hermano de Melania, para despechar a Ashley, y enviuda en cuestión de meses. Sobrevive al asedio de Atlanta y ayuda a Melania a dar a luz mientras la ciudad cae; después vuelve a una Tara saqueada, donde su madre ha muerto y su padre ha perdido la razón. Allí jura que su familia no volverá a pasar hambre. Los impuestos de la Reconstrucción la empujan a un segundo matrimonio, con el prometido de su hermana Suellen, el tendero Frank Kennedy, y más tarde a un tercero, con Rhett. Ese matrimonio, con su hija Bonnie Blue y la obsesión persistente de Escarlata por Ashley, lleva la película hasta la frase de despedida de Rhett, el adiós más famoso del cine estadounidense.

Una novela comprada por 50.000 dólares y dos años buscando a Escarlata

La novela de Margaret Mitchell se publicó en junio de 1936 y, en menos de un mes, David O. Selznick ya había comprado los derechos cinematográficos por 50.000 dólares. Al principio la había rechazado, igual que MGM, RKO y Warner Bros. Solo cambió de idea después de que su editora de argumentos, Kay Brown, y su socio, John Hay Whitney, le insistieran en que la comprara. La novela ganó el Premio Pulitzer en 1937, y convertir más de mil páginas en una sola película se volvió un problema contra el que Selznick nunca dejó de pelear.

Elegir a los dos protagonistas llevó dos años. Selznick quiso a Clark Gable desde el principio, pero Gable tenía contrato con MGM. El acuerdo que Selznick cerró en agosto de 1938 con su suegro, el jefe de MGM Louis B. Mayer, le dio a Gable y 1,25 millones de dólares, la mitad del presupuesto, a cambio de los derechos de distribución y la mitad de los beneficios. El retraso que impuso ese acuerdo convirtió la búsqueda de Escarlata en una campaña publicitaria de alcance nacional: se entrevistó a 1.400 aspirantes desconocidas con un coste de 100.000 dólares, y Katharine Hepburn, Jean Arthur, Joan Bennett y Lana Turner figuraron entre las actrices consideradas o sometidas a prueba. Las dos últimas finalistas, Paulette Goddard y Vivien Leigh, hicieron pruebas en Technicolor el 20 de diciembre de 1938. Leigh, una actriz inglesa apenas conocida en Estados Unidos, había conocido a Selznick la noche del 10 de diciembre, la misma en que se rodó el incendio de Atlanta en los terrenos traseros de su estudio. Su elección se anunció en enero de 1939.

Tres directores y un guion que nunca se terminó

Sidney Howard escribió el guion, y su primer borrador habría durado unas seis horas. George Cukor, que llevaba casi dos años preparando la película, fue despedido a menos de tres semanas de empezar el rodaje, tras sus choques con Selznick por el guion y el ritmo. Vivien Leigh y Olivia de Havilland se presentaron en el despacho de Selznick con el vestuario completo para intentar que cambiara de opinión. Victor Fleming fue reclamado desde El mago de Oz para hacerse cargo. Fleming no estaba satisfecho con el guion, así que Selznick recurrió a Ben Hecht, que reescribió la primera mitad en siete días de sesiones de 18 a 20 horas. En mayo, cuando Fleming dejó de trabajar dos semanas por agotamiento, Sam Wood tomó el relevo. Al terminar el rodaje principal, Cukor había dirigido 18 días de filmación, Fleming 93 y Wood 24. Solo Fleming apareció acreditado como director, y solo Howard como guionista. Howard murió en 1939 en un accidente con un tractor en su granja, antes del estreno.

El equipo técnico sufrió la misma sacudida. El director de fotografía Lee Garmes rodó el primer tercio de la película antes de que Selznick decidiera que sus imágenes eran demasiado oscuras. Ernest Haller lo sustituyó en marzo de 1939, junto al especialista de Technicolor Ray Rennahan, y Garmes se quedó sin crédito. William Cameron Menzies definió el aspecto visual de conjunto, Walter Plunkett diseñó el vestuario a partir de fuentes de la moda de la década de 1860, y la propia Tara era una fachada de contrachapado y papel maché levantada en los terrenos de Selznick. Para el incendio de Atlanta se construyeron fachadas nuevas sobre los viejos decorados abandonados de los terrenos traseros y se les prendió fuego, con el propio Selznick manejando los controles de los explosivos. La película costó 3,85 millones de dólares, una cifra que en aquel momento solo había superado Ben-Hur, de 1925.

Max Steiner, cedido por Warner Bros., dedicó doce semanas a la partitura, más tiempo del que había dedicado nunca a una sola. Dura dos horas y treinta y seis minutos, repartidas en 99 piezas musicales independientes. Tiene temas de amor para Ashley y Melania y para el anhelo de Escarlata por Ashley, pero ninguno para Escarlata y Rhett, y el tema de Tara es la melodía que la gente sigue tarareando. Conviene corregir una leyenda: Selznick nunca fue multado con 5.000 dólares por la palabra «damn». El 1 de noviembre de 1939 se modificó el Código de Producción para permitirla en contextos históricos o literarios, y los censores retiraron su objeción a la frase de Rhett.

Un estreno bajo las leyes Jim Crow y una noche de récord en los Óscar

Unas 300.000 personas se congregaron el 15 de diciembre de 1939 para el estreno en Atlanta, en el Loew’s Grand Theatre, y el gobernador de Georgia declaró ese día festivo estatal. Hattie McDaniel y el resto de los intérpretes negros de la película quedaron excluidos por las leyes de segregación del estado. Clark Gable amenazó con boicotear el acto, y fue McDaniel quien lo convenció de que asistiera. Después, la película se exhibió solo en formato roadshow, con entradas anticipadas a precios de más del doble que los de un estreno normal, y no llegó a la distribución general hasta 1941.

En la 12.ª edición de los Óscar, la película obtuvo 13 candidaturas y ganó ocho premios competitivos: película, dirección, actriz para Vivien Leigh, actriz de reparto para Hattie McDaniel, guion, fotografía en color, dirección artística y montaje. Dos premios honoríficos elevaron el total a diez. Fue la primera película en color que ganó el Óscar a la mejor película. Sidney Howard se convirtió en el primer ganador póstumo de un Óscar, y McDaniel, en la primera persona afroamericana en ganar un premio de la Academia, por delante de Olivia de Havilland en la misma categoría. Lo recibió después de haber sido sentada en una mesa aparte, al fondo de la sala.

Las cifras comerciales han sobrevivido a todos sus rivales. En cuatro años, la película había vendido unos 60 millones de entradas en Estados Unidos, cerca de la mitad de la población del país, y en Londres estuvo cuatro años en cartel en un único cine de Leicester Square durante el Blitz. Ajustada a la inflación, sigue siendo la película más taquillera de la historia. Su primera emisión en una cadena nacional, en NBC en 1976, marcó un récord de audiencia para una película en televisión, y Turner la utilizó más tarde para lanzar tanto TNT como Turner Classic Movies. En 1989 figuró entre los 25 primeros títulos elegidos para el National Film Registry, y el American Film Institute la situó en el cuarto puesto de su lista de 1998 de las mejores películas estadounidenses.

La polémica que la película arrastra consigo

Las objeciones son tan antiguas como la película. Escritores y críticos negros la atacaron en su estreno por su retrato de la esclavitud: personajes esclavizados satisfechos al fondo de un Sur llorado como una civilización perdida, que es la versión de la historia de la Causa Perdida que la novela de Mitchell cuenta sin pedir disculpas. Selznick, que escribía en lo que él mismo llamó tiempos plagados de fascismo, eliminó por completo al Ku Klux Klan de la adaptación, pero la nostalgia de las plantaciones se quedó. Hattie McDaniel fue atacada por el máximo responsable de la NAACP por interpretar a una criada y respondió que prefería interpretar a una antes que ser una. La escena en la que Rhett sube en brazos por la escalera a una Escarlata que forcejea se analiza hoy de forma generalizada como una violación conyugal.

La polémica volvió a estallar en este siglo. En 2017, el Orpheum Theatre de Memphis puso fin a una tradición de 34 años de proyecciones anuales. El 9 de junio de 2020, tras un artículo de opinión del guionista John Ridley, HBO Max retiró la película de su catálogo. Volvió ese mismo mes con una introducción de la especialista en cine Jacqueline Stewart, que defendió que la película debía seguir disponible precisamente para que se pudiera estudiar. La propia retirada llevó la película a lo más alto de las listas de ventas en internet. Es el mismo patrón que el título ha seguido durante décadas: cada intento de retirarla acaba devolviéndola ante el público.

Su vida posterior va mucho más allá de la propia película. El documental de 1988 The Making of a Legend: Gone with the Wind volvió a contar el caos del rodaje; una miniserie de 1994, Scarlett, adaptó la secuela autorizada de Alexandra Ripley con Joanne Whalley y Timothy Dalton, y el éxito de la película convirtió Scarlett en un nombre de niña habitual en Estados Unidos. Margaret Mitchell se negó hasta su muerte, en 1949, a escribir la continuación. La última etapa es una edición en 4K Ultra HD prevista para el 4 de noviembre de 2026, que vuelve a llevar el Technicolor de 1939 a un nuevo formato.

Poco hay de sencillo en Lo que el viento se llevó, salvo su escala. La voluntad de un solo productor la mantuvo en pie a través de tres directores, un montón de guionistas y un director de fotografía despedido. Ganó más Óscar que ninguna película anterior y, ajustada a la inflación, ha recaudado más que cualquier otra desde entonces, y se sostenía sobre una visión del Sur que los críticos negros rechazaron desde la semana de su estreno. La película no zanja esa discusión. La ha mantenido viva durante 87 años, y cada nuevo formato le plantea la pregunta a un público nuevo.