«Élite» es una serie de Netflix protagonizada por Itzan Escamilla, Omar Ayuso y Miguel Bernarddeau. Está creada por Carlos Montero y Darío Madrona.
“Élite” llega a su octava temporada con los mismos argumentos con los que comenzó hace ya algunos años: provocación, sexo, juventud, lucha de clases y una pizca de misterio. Tras ocho temporadas con la misma fórmula, la serie ya no tiene el mismo interés ni la misma frescura que al principio, pero seguro que sus fans encontrarán gratificante volver a encontrarse con los amigos de este Instituto exclusivo sólo para los más ricos.
Sobre la octava temporada
Un nuevo cadáver, un nuevo misterio y los mismos perfiles de alumnos: ricos, prepotentes y dispuestos a todo por divertirse y provocar al espectador.
La industria del cine español ha encontrado de la mano de Netflix un aliado perfecto, con películas y series que van desde la comedia romántica adolescente hasta los thrillers más serios. Eso sí, siempre con un contenido abiertamente provocador y con actores y actrices explosivos que dan un mayor atractivo a las series y películas.
“Élite” sigue un poco esa fórmula: sin inventar absolutamente nada, sabe aprovechar sus armas y provocar todo lo que puede. Es la clásica historia del Instituto exclusivo para ricos en el que hay algunos alumnos becados y, cómo no, surgen los conflictos, aunque también el romance.
Una serie que ha terminado agotando su fórmula, pero que ha llegado a su final en una muy buena y digna octava temporada, llena de nuevos personajes y con un nuevo misterio.
Los fans la echarán de menos, pero estamos seguros que esta temporada final no les decepcionará.
«No negociable» es una película mexicana de suspenso protagonizada por Mauricio Ochmann, Leonardo Ortizgris y Tato Alexander.
“No negociable” es una divertida película mexicana que mezcla con habilidad el thriller con la comedia, con mucha comedia. Y es que los políticos corruptos secuestrados dan mucho juego, y más si se toma uno la vida a broma como hace Juan Taratuto, director de la película. Sin que os vaya a cambiar la vida ni ofreceros grandes verdades, “No negociable” entretiene y, sobre todo, os logrará arrancar una sonrisa con ese sentido del humor tan mexicano que nos encanta.
Argumento
El Presidente es secuestrado y todo gira en torno a un negociador, un mentiroso compulsivo que tendrá que solucionar un problema también personal, y es que su mujer también ha sido secuestrada.
El secuestrador pide dinero, pero no para él, sino para instituciones, hospitales y centros de salud. Y es que el secuestrador es, aparentemente, todo un justiciero que denuncia la corrupción del Presidente.
Sobre la película
Muy divertida, sobre todo si os gusta ese sentido del humor irónico e inteligente que sabe reírse de todo. Una película basada en una entretenida premisa, buenos diálogos y a un estupendo actor llamado Mauricio Ochmann, que sabe llevar la película.
Una película de actores en la que todos están bien gracias, sobre todo, a los diálogos: Leonardo Ortizgris, Tato Alexander y Enoc Leaño interpretando al corrupto Presidente.
Una comedia que se desarrolla en una sola noche y durante un secuestro: no hay grandes persecuciones ni secuencias de acción impactantes, la película no tiene aspiraciones de blockbuster y se conforma con entretener, divertir y, de paso, dejar constancia de que, se mire por donde se mire, se encuentra a un político corrupto.
Hay un par de secuencias con las que no podrás parar de reírte, aunque la película nos lleva más a la sonrisa que a la carcajada: es México riéndose de los mexicanos y con ese sentido tan autoconsciente, irónico e inteligente que tanto nos gusta.
Nuestra opinión
Una película sencilla, simple pero efectiva que sabe reírse de todo y tomarse esto del thriller de una manera relajada y simpática. Buenas interpretaciones para una película que, aunque no vaya a cambiar nada, deja su pequeña huella para arrancarnos una sonrisa en este viernes.
«Wonderland» es una película de Netflix protagonizada por Tang Wei, Suzy y Park Bo-gum.
Hoy Netflix nos trae esta emotiva película de ciencia ficción sobre las posibilidades que nos ofrece el futuro mundo virtual. Una distopia coreana que, más allá de un espectáculo lleno de efectos especiales, alude constantemente a los sentimientos y la raíz humana de las cosas en un mundo conectado en una realidad que combina a los vivos y a los muertos.
Sí, una idea que parecería de película de terror, pero “Wonderland” no es para nada una película de terror.
Argumento
Wonderland es una realidad virtual que conecta a los vivos con los recuerdos de los muertos y, a través de la inteligencia artificial, permite recrear una convivencia casi real con los seres queridos.
Sobre la película
Una distopia que, por una vez, no nos lleva al lado más Black Mirrror: no es una película de terror ni plantea el futuro como tal ni nos advierte de las catástrofes que traerá la tecnología: “Wonderland” es una película de cómo la tecnología nos puede permitir acercarnos a los sentimientos y estar en contacto, otra vez, con los seres más queridos.
La película plantea diferentes situaciones y personajes que, a través de distintas historias, nos llevarán a un viaje lleno de sentimientos y, también esperanza en el futuro. Es una película preciosa, con elementos incluso de humor, siempre tierna y que no pretende, nunca, llevarnos al lado más sombrío de la tecnología.
En esta ocasión se elige el lado más amable de la tecnología y cómo la tecnología podría acercarnos, paradójicamente, a nuestro lado más humano. “Wonderland” es también una película triste por momentos, con personajes a veces solitarios y aislados, una película liviana que, a veces, parece temerosa de acercarse a una realidad más cruda.
Eso sí, “Wonderland” es una distopia diferente que se aleja de los principios generales del género, y eso se agradece porque, en un mundo lleno de desesperanza, esta película ofrece al menos eso, fe en el futuro y en el ser humano que, inevitablemente, estará unido al desarrollo de la tecnología.
Una película bien rodada y con la calidad ya habitual de las producciones coreanas, también con su tendencia al sentimentalismo característica.
Una película que, contrariamente a la opinión de los expertos, nos viene a decir que la IA también puede ayudar al ser humano a vivir mejor y a ser más humano.
Nuestra opinión
Una visión muy amable del futuro, casi tan esperanzadora que resulta algo ilusoria e irreal.
Eso sí, se agradece un halo de esperanza en este mundo lleno de evidencias apocalípticas en lo tecnológico.
Una película llena, llenísima de humanidad que se distancia de los tratamientos clásicos del cine y la literatura distópica.
«Los héroes del tiempo» es una serie de Apple TV+ protagonizada por Lisa Kudrow y Kal-El Tuck. Está creada por Taika Waititi e Iain Morris.
Lisa Kudrow regresa a la televisión de la mano de Apple TV+ en esta divertida seria para niños llena de fantasía y CGI; una serie de aventuras para niños en la que podremos vivir diferentes épocas y viajes en el tiempo y el espacio de la mano de un chico de 11 años y un variopinto grupo de ladrones.
¿Os gustan las series de aventuras de espíritu clásico? Apple TV+ ha decidido apostar por esta fórmula en su nuevo estreno, una serie clásica y divertida, para toda la familia que vuelve a retomar película que dirigiera Terry Gilliam en 1981.
Argumento
Kevin Haddock es un niño apasionado por la Historia que se ve envuelto en un loco viaje en el tiempo de la mano de un divertido grupo de ladrones. Juntos se embarcarán en una loca aventura por salvar a sus padres y a la Humanidad entera.
Sobre la serie
Divertida y con la calidad a la que Apple TV+ nos tiene acostumbrados. No va a cambiar la Historia del Cine, pero es divertidísima y está especialmente pensada para que los niños pasen un rato verdaderamente loco, y un poco absurdo. Sabe tomar el espíritu de la película de 1981, con todo el toque de humor absurdo y loco de los Monty Python y modernizarlo, brindando todo un espectáculo a nivel estético: un aluvión de efectos especiales y, a la vez, una historia divertida.
Para los más clásicos, una serie que lo tiene todo para entretener.
Lisa Kudrow es una actriz, cómica, escritora y productora estadounidense. Saltó a la fama por su papel de Phoebe Buffay en la popular comedia Friends. Kudrow también ha aparecido en numerosas películas, como Romy and Michele’s High School Reunion, The Opposite of Sex y Easy A. Ha ganado varios premios por su trabajo, entre ellos un Primetime Emmy Award y un Screen Actors Guild Award. Además de su carrera como actriz, Kudrow también ha producido y protagonizado las series de HBO The Comeback y Web Therapy.
«Kleo» es una serie de Netflix protagonizada por Jella Haase. Con Julius Feldmeier y Dimitrij Schaad.
La espía más divertida de la reunificación alemana vuelve en esta segunda temporada para traernos un poco más de lo mismo: mucho humor en una historia de espías ambientadas en la Alemania de la reunificación.
Si os gustan las series de espías y humor, “Kleo” es perfecta: humor inteligente y, además, una historia con base histórica que, llevada por el tono cómico, es entretenidísima y divertidísima con un humor, además, inteligente.
Vuelve una de las mejores series de Netflix desde Alemania, esta vez para reírse del mundo del espionaje y de la propia historia de la reunificación.
Argumento
Kleo es una super-espía que trabajaba extraoficialmente para el Gobierno en labores de reconocimiento… lo que se traduce en una asesina a sueldo, sí. Tras eliminar a un agente de la CIA, Kleo fue enviada a la cárcel, traicionada por la gente en la que confiaba ciegamente. Salió tras la caída del Muro de Berlín.
Ahora, Kleo está desatada y ha venido a vengarse de las organizaciones que la traicionaron.
Sobre la serie
Sobre todo, muy divertida. Una serie que tiene una ambientación estupenda, con una estética muy cuidada, muy de aquella época: decorados, fotografía, vestuario, todo está cuidado al máximo y, además, con mucho sentido de la ironía y del humor: peinados extravagantes, lámparas al estilo pop.
Una serie con mucha gracia que se ve rápidamente y consigue entretener en todo momento. Tiene más gracia y estilo que importancia por su argumento: es una historia de espías inventada que, a pesar de su sentido histórico, poco tiene que ver con la realidad. “Kleo” está hecha para sentarse y relajarse un rato, poco más. Pero, eso sí, para pasar un rato entretenidísimo de la mano de esta chica que, con toda su rabia, le sabe dar a todo sentido del humor.
“Kleo” está, además, llenísima de personajes secundarios encantadores, todos ellos con algo de realismo y mucho de ironía. Sin ser una parodia, la roza, aunque prefiere optar por ser más un divertidísimo thriller que una parodia sobre la Guerra Fría.
Nuestra opinión
Una de nuestras series favoritas: estilo, diversión y una gran pizca de humor inteligente en esta recreación histórico-cómica con forma de thriller.
Denle una oportunidad a esta asesina a sueldo, es divertidísima, inteligente y con muy buen sentido del ritmo, tanto en lo cinematográfico como en lo argumental.
Jella Haase es una actriz alemana conocida por sus papeles en varias películas y programas de televisión. Nació el 26 de octubre de 1992 en Berlín (Alemania). Haase comenzó su carrera como actriz muy joven y saltó a la fama con su papel de Chantal en la película «Fack ju Göhte» (Chúpame Shakespeer) en 2013. Reinterpretó su papel en la secuela «Fack ju Göhte 2» y «Fack ju Göhte 3». Haase también ha aparecido en otras películas como «Looping», «4 Könige» (4 Reyes) y «Wuff». Además de su trabajo en el cine, Jella Haase también ha protagonizado varios programas de televisión, como «Tatort», «Blochin: Los vivos y los muertos» y «Der Bulle und das Biest». Ha recibido numerosos premios por sus interpretaciones, entre ellos el Premio del Cine Bávaro a la Mejor Actriz Joven.
«Estafadores de Tokio» es una serie de suspense de Netflix protagonizada por Gou Ayano y Etsushi Toyokawa.
Tokio es una ciudad difícil, la más grande y más poblada del mundo, no es extraño que allí surjan timadores especializados en el sector inmobiliario. Hoy Netflix nos trae este apasionante thriller de timadores, policías y falsificadores.
Un thriller con mucho ritmo y con estilo muy moderno que sabe aunar las historias clásicas de timadores y criminales con una ambientación actual y el frenesí de las nuevas tecnologías.
Argumento
Los falsificadores inmobiliarios volvieron a Tokio a mediados del 2010, tras los Juegos Olímpicos y la vuelta de la especulación inmobiliario a la ciudad de TOkio: un líder, un negociador, un experto inmobiliario, un falsificador, un asesor legal, un informador y un reclutador de impostores.
Técnicas criminales precisas y altamente avanzadas para un grupo de falsificadores inmobiliarios buscados por la policía pero que aún no han sido detenidos.
Sobre la serie
¿Os gustan las películas de los años 40 de Hollywood? Sí, aquellas en las que los criminales eran las estrellas y los verdaderos héroes en un mundo que aplaudía y los veía como individuos que podían vivir la libertad a través del crimen más allá de los parámetros tradicionales. “Estafadores de Tokio” es una serie que da a los criminales un papel protagonista. No, aquí no son héroes ni buscan la justicia: son timadores profesionales del sector inmobiliario y usan la especulación y la codicia como arma.
Timan a grandes empresas inmobiliarias, haciéndose pasar por los propietarios legítimos, falsificando documentos y llevando a cabo prodigiosas falsificaciones con microchips, marcas de agua y demás.
Por otro lado, tenemos a la policía, con un curioso dúo de investigadores (un veterano y una novata), que le dan el toque de humor a este entretenido thriller.
“Estafadores de Tokio” es, sobre todo, un thriller muy entretenido de ladrones y policías. Tiene sentido del humor, ritmo y un argumento bien llevado en una de esas series que se ven rápido y que gusta, aunque sin dejar un recuerdo imborrable en la retina: no es espectacular en cuanto a imágenes ni contiene la brutalidad escénica a la que nos tiene acostumbrados ya el cine asiático: “Estafadores de Tokio” es sólo un entretenido thriller de timadores que, sin venir a revolucionar la Historia de la Televisión, entretiene un rato, sin más.
Nuestra opinión
Si os gustan las series de timadores y policías, denle una oportunidad. “Estafadores de Tokio” posee una gran ambientación y un buen argumento, pero no logra suficientes elementos originales como para trascender o dejar huella.
Entretiene, divierte y sabe comportarse como un buen producto televisivo. Buena en todos los aspectos, pero nunca brillante.
«El Decamerón» es una serie de Netflix creada por Kathleen Jordan y protagonizada por Amar Chadha-Patel, Leila Farzad y Lou Gala.
Netflix nos presenta esta serie que, aunque no esté basada en una idea nueva, sí resulta refrescante porque, al menos, esta idea no ha sido repetida hasta la saciedad y gastada: una comedia sobre una plaga, sobre la mayor tragedia que sufrió la humanidad en la Edad Media: se calcula que la peste negra causó, aproximadamente, entre 80 y 200 millones de muertes.
Pero no estamos aquí para tragedias, y es que “El Decamerón” es una comedia sobre la Edad Media, una comedia muy al estilo Monty Python: diálogos divertidos y mucho tono de parodia histórica.
Argumento
Ambientada en la Florencia del siglo XIV durante la Peste Negra, los habitantes de Florencia luchan por sobrevivir en medio de grandes, grandísimas diferencias de clases.
Sobre la serie
Una comedia inteligente que vuelve a retomar esa fórmula de parodia histórica que tantos éxitos ha tenido a lo largo de los años: ni es nueva la fórmula ni “El Decamerón” la reinventa, pero resulta divertida.
La parodia histórica existía antes de los Monty Python, que la popularizaron hace ya algunos años, pero existe desde tiempos inmemoriales, desde antes de la llegada del cine y desde el propio teatro clásico griego, que usaba ya el teatro para burlarse de absolutamente todo. “El Decamerón” es, sobre todo, una parodia sobre la diferencia de clases en la Florencia de 1300 que emplea la pandemia de la Peste Negra como excusa para darnos un discurso cómico a la vez que reflexivo sobre las coincidencias entre la Edad Media y los tiempos modernos. Y es que, al igual que con la COVID, la Peste Negra afectó a ricos y pobres de la misma manera, aunque (no sabemos si por casualidad o no) los ricos fueron más ricos tras la pandemia y los pobres… siguieron igual. Será una cuestión de estadísticas.
En “El Decamerón” importa poco la historia que nos cuentan: es una comedia coral que se contruye en torno a muchos personajes, ricos y pobres que, entremezclados en una amalgama social difusa, tratan de sobrevivir. La serie pretende, sobre todo, entretener y, de paso, ironizar con inteligencia sobre los paralelismos históricas entre el presente y el pasado.
“El Decamerón” es una serie con espíritu muy a lo Mozart (el músico), con ese tono de parodia, ironía y frivolidad de Le nozze di Figaro (ópera de 1785). Ingenio, parodia, comedia y un espíritu teatral muy presente, “El Decamerón” se convierte más que en un experimento, en una serie de espíritu retro que retoma una tradición literaria y teatral que, ahora llevada a la pantalla, resulta divertida, pero no novedosa.
En lo estético, recurre a las fórmulas más teatrales, tanto en el tratamiento de personajes como en la puesta en escena y en los decorados para recrear la Edad Media.
Nuestra opinión
Relájense y disfruten, “El Decamerón” no es la serie que va a cambiar vuestras vidas ni aporta nada nuevo en lo estético o argumental ni pretende redescubrir la Historia de la Edad Media, pero resulta divertida y lo suficientemente frívola para divertirse un rato. Que la disfrutéis.
Un documental en dos partes sobre la emblemática figura cómica Mel Brooks se encuentra actualmente en producción a cargo de HBO Documentary Films y Apatow Productions. Los ganadores del Emmy®, Judd Apatow (ganador del Emmy® por «The Zen Diaries of Garry Shandling» de HBO) y Michael Bonfiglio, están dirigiendo el proyecto, con la edición de Joe Beshenkovsky. Este proyecto reúne nuevamente al trío después de su última colaboración creativa en el exitoso documental de HBO “George Carlin’s American Dream.» Kevin Salter cumple el papel de productor ejecutivo.
Sinopsis: Un vistazo extenso pero íntimo a una de las mentes más hilarantes e influyentes de la comedia, cuyo trabajo ha tenido a las audiencias de todo el mundo riendo durante más de 70 años.
Judd Apatow, director, cita: «Entré en el mundo de la comedia debido a mi amor por Mel Brooks. Este proyecto es el sueño de mi vida.»
Acerca de Mel Brooks: Mel Brooks es un icónico actor, comediante, cineasta, compositor y dramaturgo estadounidense. Con una carrera que abarca siete décadas, Brooks ha logrado la rara hazaña de ganar un Emmy®, GRAMMY®, Tony Award®, y un Academy Award®. Además, ha recibido un Kennedy Center Honor, una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, el premio AFI Life Achievement Award, y el Academy Honorary Award® en 2024. Su trabajo en cine y televisión se extiende a décadas incluyendo “The Twelve Chairs,» “Blazing Saddles,» “Young Frankenstein,» “Silent Movie,» “History of the World Part 1,» “To Be or Not to Be,» “High Anxiety,» “Spaceballs,» “Mad About You,» “Get Smart,» y mucho más. También es autor del bestseller del New York Times “All About Me!: My Remarkable Life in Show Business.»
Acerca de Apatow Productions: Fundada por Judd Apatow, Apatow Productions es una galardonada compañía de producción que ha producido muchos de los más grandes éxitos de comedia en cine y series de televisión en las últimas dos décadas. Las producciones de televisión de la compañía incluyen “Freaks and Geeks,” “Undeclared,” “Girls,” “Love,” “Crashing,” y los documentales ganadores del Emmy® “The Zen Diaries of Garry Shandling» y «George Carlin’s American Dream.» Los créditos de cine incluyen “Anchorman,” “The 40-Year-Old Virgin,” “Talladega Nights,” “Knocked Up,” “Superbad,” “Forgetting Sarah Marshall,” “Step Brothers,” “Pineapple Express,” “Funny People,” “Bridesmaids,” “This Is 40,” “Trainwreck,” “Popstar,” nominada al Academy Award® “The Big Sick,” “The King of Staten Island” y “The Bubble.”
El Festival de Peñíscola, organizado por la Diputación de Castellón cada verano, ha clausurado su vigesimoséptima edición con una ocupación del aforo del 92%
Grandes actores como Carlos Hipólito, pesos pesados del teatro clásico como Ana Zamora, Ricardo Iniesta, Eduardo Vasco o Chema Cardeña, y el humor gaditano de Las Niñas de Cádiz, se han dado cita en Peñíscola este mes de julio.
El Festival de Teatro Clásico Castillo de Peñíscola reúne cada verano en esta localidad castellonense diferentes propuestas de todo el panorama nacional.
La Diputación de Castellón ha continuado siendo coproductora de espectáculos teatrales en la XXVII Edición del Festival de Teatro Clásico Castillo de Peñíscola.
El pasado 20 de julio concluyó con gran éxito el XXVII Festival de Teatro Clásico Castillo de Peñíscola, organizado por la Diputación de Castellón, que este verano ha llevado al Patio de Armas del Castillo de Peñíscola seis espectáculos, además de dos interesantes actividades de y para jóvenes. El festival, que ha vuelto a reafirmar su posición como uno de los acontecimientos culturales más destacados de la región, ha recibido en esta última edición la visita de un total de 1650 espectadores, con una ocupación del aforo del 92%, superando así todas las expectativas y consolidándose como un referente en la programación de teatro clásico de la Comunidad Valenciana.
El festival, celebrado en el majestuoso entorno del Castillo de Peñíscola, ha ofrecido una selección de obras provenientes de la Comunidad Valenciana, Madrid, Cádiz, Sevilla y Segovia, que han deleitado tanto a amantes del teatro clásico como a visitantes ocasionales, y en las que ha sido nota imperante el humor y la música en directo. Este verano en el Castillo se han escuchado las palabras de importantes autores clásicos como Molière, Goldoni, Calderón de la Barca, Cervantes, Shakespeare, Apuleyo, Juan Ramón Jiménez, Perrault, Ovidio, Esopo, La Fontaine, Flaubert, Tolstoi, Clarín… Ellos, junto a autores actuales como Ana López Segovia, Álvaro Tato o Chema Cardeña, nos han mostrado una vez más que el clásico sigue de plena actualidad.
Carlos Hipólito en Burro – foto de Pilar Diago
Por Peñíscola durante los 12 días que ha durado el festival se ha podido ver a uno de los mejores actores del panorama nacional, Carlos Hipólito interpretando a un burro de más de 6000 años de edad en la obra Burro, que explora los grandes textos sobre asnos de autores desde la Grecia y Roma clásicas hasta el siglo pasado, con dramaturgia de Álvaro Tato y dirección de Yayo Cáceres. También han visitado el Castillo grandes representantes del teatro clásico como Eduardo Vasco y su compañía Noviembre Teatro en la coproducción con el Teatro EspañolLas locuras por el veraneo de Goldoni, con vestuario de Lorenzo Caprile; o Chema Cardeña con una coproducción del festival con la compañía de la Comunidad Valenciana Arden Teatro, que inauguró esta edición con Damas malditas, basada en tres importantes personajes femeninos de la literatura: Anna Karenina, Madame Bovary y La Regenta.
El castillo de Lindabridis en el Festival de Peñíscola – foto de Pilar Diago
Además han pisado el festival los montajes de dos Premios Nacionales de Teatro: Ana Zamora y Ricardo Iniesta. Ana Zamora (Premio Nacional de Teatro 2023), con su compañía Nao d’amores, con sede en Segovia, y en coproducción con la Compañía Nacional de Teatro Clásico, ha presentado El castillo de Lindabridis de Calderón de la Barca, una obra de aventuras situada en la época de las novelas de caballerías. Y desde Sevilla ha llegado Ricardo Iniesta con su histórica compañía Atalaya–TNT (Premio Nacional de Teatro 2008), que ha traído El avaro de Molière, una particular versión musical de este clásico francés.
Las bingueras de Eurípides en el Festival de Peñíscola – foto de Pilar Diago
La clausura estuvo a cargo de la compañía gaditana Las Niñas de Cádiz, con Las bingueras de Eurípides, una desternillante versión de Las Bacantes con texto de Ana López Segovia y dirección de José Troncoso, con entradas agotadas casi desde el principio del festival y que hizo reír a carcajadas a todo el público asistente al Patio del Castillo.
Además, entre las actividades complementarias, ha tenido lugar la proyección de Mirar al cielo, documental de Antonio Hernández Fimia que cuenta desde dentro el proyecto de la sexta promoción de la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico durante los ensayos de La discreta enamorada. También, para fomentar el teatro entre los jóvenes de la región, se ha celebrado en colaboración con la Regidoria de Joventut de l’Ajuntament de Peníscola la segunda edición del el Taller Pepe Monleón de Periodismo Joven, en que sus participantes han vivido más de cerca los vericuetos de la prensa cultural y han escrito una serie de crónicas que se pueden leer en la web del festival.
Antonio Hernández Fimia y Javier Sahuquillo en el Salón Gótico – foto de Pilar Diago
La alta asistencia y el elevado porcentaje de ocupación reflejan no solo el interés y la pasión del público por el teatro clásico, sino también la calidad y diversidad de la programación. Con la intención de volver el próximo año con nuevas propuestas y el mismo compromiso con la tradición teatral, el Festival de Teatro Clásico Castillo de Peñíscola agradece el calor recibido por su público en la presente edición y se despide hasta el verano próximo.
Nueva York – Es un placer para la Galería Pace presentar una nueva exhibición de Mary Corse en su sede de la calle 540 West 25th en Nueva York. Disponible para ser apreciada desde el 13 de septiembre hasta el 26 de octubre, esta presentación marca la primera exposición en solitario de Corse en la ciudad desde 2019.
A lo largo de su carrera, que abarca seis décadas, Corse ha explorado los fenómenos de luz, espacio y percepción en abstracciones sublimes que trascienden los límites entre distintas disciplinas y medios. Como parte de su enfoque empírico y altamente táctil en la creación artística, Corse ha investigado continuamente las formas en que la luz puede ser tanto el sujeto como el material de su trabajo.
El trabajo que Corse presentará en la Galería Pace en Nueva York este otoño se centra en una nueva serie de pinturas en forma de diamante, que continúan con su práctica sostenida de incorporar microesferas de vidrio en la superficie pintada. El regreso de Corse al formato del diamante subraya uno de los distintivos de su práctica: un interés en la recursión y el retorno a las ideas iniciales.
Las obras en la presentación de la Galería Pace, todas las cuales nunca se han exhibido antes, incluirán la Sala Halo de Corse, una nueva instalación arquitectónica que ha estado desarrollando a lo largo de los últimos años. Esta obra, que se instalará en el centro del espacio de la galería pero también puede colocarse al aire libre, ofrece una experiencia participativa e íntima de escala, espacio y luz.
Con más de sesenta años de carrera, Mary Corse (n. 1945, Berkeley, California) indaga sobre la materialidad, la abstracción y la percepción a través de las pinturas gestuales sutiles y las geométricamente precisas que ha creado.
En 2021, Corse fue la protagonista de una importante exhibición en solitario en el Museo Long, Shanghái, que se trasladó al Museo de Arte Amorepacific en Seúl en 2022. Su trabajo se puede encontrar en las colecciones permanentes de Amorepacific Museum of Art, Seúl; Dia Art Foundation, Nueva York; The J. Paul Getty Museum, Los Ángeles; y el Museo de Arte Contemporáneo, Los Ángeles, entre otras instituciones.
La Galería Pace es una galería de arte internacional líder que representa a algunos de los artistas contemporáneos y propiedades más influyentes del siglo pasado, manteniendo relaciones de décadas con Alexander Calder, Jean Dubuffet, Barbara Hepworth, Agnes Martin, Louise Nevelson y Mark Rothko.
«Dirty Pop: La estafa detrás de las boy bands» es una serie documental de Netflixdirigida por David Terry Fine.
Netflix hoy nos trae un documental que, sólo en apariencia, podría parecer ligero, pero que nos lleva a una realidad mucho más complicada: la realidad sobre el mundo de los negocios y los riesgos que conllevan.
Este documental se centra en el empresario Lou Pearlman y sus dos creaciones más famosas: los Backstreet Boys y N’Sync, pero no dejen de verlo, porque lo más interesante está por llegar: un retrato del mundo de la música y de los negocios que van más allá de estas dos bandas y de la música, y que nos hace un retrato oscuro y triste de aquel mundo de Wall Street de los años 80 y 90 de grandes inversiones.
Trans Continental fue una empresa fundada por Lou Pearlman, el empresario que estuvo detrás de famosas “Boy Bands”, famoso por producir la música de las bandas Backstreet Boys y N’Sync.
Este empresario de avionetas, dirigibles y demás negocios relacionados con la publicidad logró llevar a un grupo de desconocidos a lo más alto de las listas. Un hombre que creó empresas de publicidad, inversiones y demás para crear una nuevo concepto empresarial que aunaba promoción, producción, desarrollo… todo en un mismo lugar y bajo una misma dirección: la de Lou Pearlman.
Aquellos años 90 de los Backstreet Boys y N’Sync
Allá por los años 90 había un nuevo fenómeno musical llamado New Kids on the Block, una Boy Band con chicos guapos que cantaban bien, además, volvían locas a las adolescentes. En una estimación, aquel grupo había ganado unos 1.000 millones de dólares.
Lour Pearlman, que por aquella época alquilaba aviones a grandes estrellas del pop, vio la oportunidad de cambiar de negocio y, cómo no, hacer un buen dinero con ello.
El grupo se formó en Orlando y estaba formado por Nick Carter, AJ McLean, Brian Littrell, Kevin Richardson y Howie Dorough. Fue en 1993 cuando los Backstreet Boys hicieron su primera aparición en público el resto, es ya Historia: comenzaron dando conciertos en Institutos por todo Estados Unidos. Pero, aunque no se lo crea, el grupo no tuvo éxito en los Estados Unidos, sino que triunfó desde Alemania, allá por 1996.
Creando su propia competencia: N’Sync
Justin Timberlake, JC Chasez, Lance Bass, Joey Fatone y Chris Kirkpatrick. Ellos fueron los N’Sync, el grupo que haría competencia a los BackstreetBoys, creado también por el propio Lou Pearlman.
Pero los Backstreet Boys y N’Sync demandaron a Trans Continental porque, según ellos, Lou Pearlman les había robado miles de millones de dólares. Al final, los grupos compraron su libertad y se llegó a un acuerdo.
Lou Pearlman produjo un programa televisivo sobre Boy Bands e intentó formar otras, pero sin tanto éxito, y fue entonces cuando se descubrió que Pearlman, en realidad, no ganaba tanto dinero y que su situación financiera no era la que aparentaba.
Lour Pearlman, más allá de las bandas
Cuando el modelo antiguo falló, Pearlman se metió en el mundo de las inversiones: grandes resultados sobre el dinero invertido que, al final, suelen terminar en un esquema Ponzi (estafas piramidales). Fue cuando todo se vino abajo, dejando más de 300 millones de dólares en deudas.
Se fue a Bali (Indonesia), donde fue finalmente capturado en el 2007. Lour Pearlman murió en 2016.
Nuestra opinión
“Dirty Pop: La estafa detrás de las boy bands” es un documental que sabe dar dos visiones aparentemente contradictorias: el mundo del glamour y del entretenimiento, el de los cantantes en limosinas; y lo que está detrás, un oscuro mundo de las finanzas y productoras musicales.
No se queden sólo con el primer capítulo, porque lo más interesante comienza a parir del segundo y culmina en un tercer capítulo que explica el declive de este hombre y de toda una época.
Dónde ver «Dirty Pop: La estafa detrás de las boy bands»
«The I and the You» marca la primera gran presentación en una galería pública en el Reino Unido del trabajo de la influyente artista brasileña Lygia Clark (1920 –1988, Brasil).
La exhibición se centra en el camino artístico de Clark desde mediados de los años 50 hasta principios de los 70, un período particularmente volátil en la historia de Brasil en el que también surgieron formas radicales de práctica artística. Clark fue una figura central en el movimiento neoconcreto brasileño (1959 – 1961), junto a artistas como Amilcar de Castro, Ferreira Gullar, Hélio Oiticica y Lygia Pape, que buscaban superar las limitaciones del ‘arte concreto’ y su énfasis en la abstracción geométrica no figurativa.
La exposición «The I and the You» muestra cómo las primeras experimentaciones formales de Clark y su creciente interés en la filosofía de la experiencia y el potencial terapéutico del arte llevaron a un cierre gradual de la brecha entre la obra y el espectador.
Incluye una serie de pinturas, estudios y trabajos en papel que demuestran cómo sus investigaciones en los elementos constitutivos de la pintura dieron como resultado un enfoque cada vez más intuitivo hacia la composición. A lo largo de los años 60, el trabajo de Clark priorizó cada vez más la experiencia encarnada sobre el estatus simbólico del objeto.
La muestra también presenta ejemplos de los Bichos de Clark, obras rompedoras nacidas de sus indagaciones en superficies o planos bidimensionales, diseñados para ser manipulados por el espectador, convirtiéndolos en un participante activo en una forma escultórica siempre cambiante.
La última parte de «The I and the You» presenta algunas de las obras de grupo participativas de Clark, desarrolladas durante su estancia en París tras las protestas de mayo de 1968. En un contexto en el que la participación y el cuidado en el arte están tan enfatizados hoy en día, esta exposición cobran una relevancia aún más significativa.
Acerca de Lygia Clark
Lygia Clark (1920 – 1988, Brasil) desempeñó un papel central dentro de la vanguardia neoconcreta brasileña a finales de los años 50. Participó en la dinámica escena artística londinense de los años 60, representó a su país en la Bienal de Venecia de 1968 y propuso acciones participativas con estudiantes en la Sorbona de París en los años 70, antes de regresar a Brasil en 1977. A pesar de haber tenido una carrera transnacional, fue solo después de su muerte que su trabajo comenzó a recibir un reconocimiento internacional más amplio.
Título: «Lygia Clark: The I and the You» – Un viaje a la experiencia artística
Subtítulo: La primera gran presentación de la artista brasileña en una galería pública del Reino Unido.
El arte siempre ha sido un medio para comprender nuestra experiencia de vida y nuestra relación con el mundo, y la obra de la influyente artista brasileña Lygia Clark (1920-1988) no es una excepción. «Lygia Clark: The I and the You» marca la primera gran presentación de su trabajo en una galería pública del Reino Unido, concretamente en la Whitechapel Gallery de Londres.
Esta exposición se centra en el camino artístico de Clark desde mediados de los años 50 hasta principios de los 70, un período de enorme agitación en la historia de Brasil cuando también surgieron modos radicales de práctica artística. Clark fue una figura central en el movimiento neoconcreto brasileño (1959 – 1961), que buscaba una mayor experimentación, expresión, color y sensibilidad poética en sus prácticas.
«The I and the You» revela cómo la temprana experimentación formal de Clark y su creciente interés en la filosofía de la experiencia y el potencial terapéutico del arte llevó a un cierre gradual de la brecha entre la obra y el espectador. La exposición abre con una serie de pinturas, estudios y trabajos en papel que muestran cómo sus investigaciones sobre los elementos constitutivos de la pintura resultaron en un enfoque cada vez más intuitivo hacia la composición.
Según avanzamos en la exposición, encontramos ejemplos de los «Bichos» de Clark – obras rompedoras surgidas de sus investigaciones en superficies o planos bidimensionales. Estos fueron diseñados para ser manipulados por el espectador, convirtiéndoles en un participante activo en una forma escultórica siempre cambiante.
En la última etapa de «The I and the You» se presentan algunas de las obras grupales participativas de Clark, desarrolladas durante su tiempo en París tras las protestas de mayo de 1968. Durante este período, su trabajo buscó superar las propias fronteras del arte al explorar dinámicas grupales.
Lygia Clark: The I and the You es una ventana a la maravillosa mente de esta artista brasileña pionera, que siempre estuvo en búsqueda de nuevas formas de interacción entre el espectador y la obra. Te invitamos a participar en esta experiencia artística única.
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