Nicolas Cage, el Oscar que sobrevivió a su propio meme

La forma útil de leer la carrera de Nicolas Cage es como una discusión con las superficies que otros fabricaron a su costa. Durante casi una década se convirtió en un género de YouTube, cada reacción suya recortada de una película que nadie se había molestado en ver, cada obligación contractual reeditada como prueba de declive. Nunca renegó en público de ese material. Siguió haciendo el trabajo al que se había comprometido, y entonces hizo Mandy, y luego Pig, y luego Longlegs, y la conversación tuvo que cambiar de forma a su alrededor.

El Oscar que guarda en la repisa, por Leaving Las Vegas (Adiós a Las Vegas) de Mike Figgis, es el único hecho de su biografía que el malentendido nunca consiguió desplazar. Como Ben Sanderson, un guionista de Hollywood que llega al desierto sin más plan que una botella y una fecha de caducidad, Cage entregó una interpretación que la Academia no habría votado si hubiera sido menos descubierta — un hombre dentro de una depresión tan íntima que dejaba de parecer actuación. Esa misma temporada se llevó el Globo de Oro a Mejor Actor de Drama, y en dieciocho meses apiló La Roca de Michael Bay, Con Air (Convictos en el aire) de Simon West y Cara a cara de John Woo, tres papeles opuestos al héroe musculado norteamericano, sostenidos por un actor que se negaba a interpretarlo en serio.

El camino hasta ahí fue una herencia que pasó años intentando rechazar. Creció entre la Bahía de San Francisco y Los Ángeles, hijo de August Coppola, profesor de literatura, y Joy Vogelsang, bailarina, y sobrino de Francis Ford Coppola. Se cambió el apellido a Cage al empezar — por Luke Cage, el héroe de Marvel, y John Cage, el compositor — para que los castings dejaran de leerlo como contratación familiar. Los papeles menores de Aquel excitante curso, La ley de la calle y Cotton Club los despachó pronto. En 1987 llegó el año que lo definió, con Arizona Baby de los hermanos Coen y Hechizo de luna de Norman Jewison junto a Cher: un excéntrico cómico y un galán romántico entregados en el mismo calendario. Corazón salvaje de David Lynch ganó la Palma de Oro tres años después y dejó instalada la mitología de un protagonista dispuesto a decir que sí a un autor más que a un género.

La parte media de su filmografía es más amplia e irregular que cualquier titular. Persiguió a los hermanos Charlie y Donald Kaufman en El ladrón de orquídeas de Spike Jonze y se llevó una segunda nominación al Oscar. Vendió América a sí misma con La búsqueda y perdió América con El señor de la guerra. Le regaló a Werner Herzog un monólogo de policía corrupto en Teniente corrupto. Cobró el cheque de Disney, contestó la llamada de Panos Cosmatos y se comió el corazón de Mandy. Buena parte de esas decisiones se tomaron mientras el fisco estadounidense le había embargado los ingresos, fruto de inversiones inmobiliarias desastrosas — un castillo alemán, mansiones, el famoso cráneo de dinosaurio que más tarde devolvió. Aquella década se ha contado como un chiste recopilado. Visto sin filtro, el hombre dentro de esos planos sigue haciendo lo que siempre hizo: comprometerse más allá del punto en que un actor cauto se habría retirado.

La rehabilitación, cuando llegó, fue menos un retorno que una corrección pública de la memoria. Cerdo, de Michael Sarnoski, en 2021 — un estudio casi sin palabras sobre un trufero de Portland que busca a su animal robado — se reseñó como si lo firmara un desconocido, pero era Cage haciendo lo de siempre con el volumen bajado. Soportar el peso de un talento enorme le permitió interpretarse a sí mismo como reflejo cómico. Renfield le entregó al Drácula. El hombre de los sueños, de Kristoffer Borgli, en 2023, le valió el Saturn al Mejor Actor; usó el discurso para advertir contra dejar que la inteligencia artificial sueñe por el resto. Longlegs, de Osgood Perkins, al año siguiente — Cage como asesino satánico cubierto de látex, siempre filmado demasiado cerca — costó diez millones y recaudó ciento veintiocho en todo el mundo, el mayor estreno de la historia de NEON.

Lo que no ha hecho es renegar de sus períodos más salvajes. Preguntado por la década del meme en las entrevistas recientes, defiende las decisiones y a las personas con las que las tomó. Se ha negado a participar en cualquier recreación digital de su imagen; ha sido una de las voces más insistentes del cine estadounidense contra la replicación por inteligencia artificial, presentándola no como un asunto laboral sino como uno metafísico. Sobre esa contradicción se sostiene la nueva etapa de prestigio: un actor canonizado de nuevo por una industria de la que desconfía abiertamente.

Su vida privada se asoma al espacio público sin desaparecer en él. Se ha casado cinco veces — con Patricia Arquette, brevemente con Lisa Marie Presley, con Alice Kim, brevemente con Erika Koike y, desde febrero de 2021, con la actriz japonesa Riko Shibata — y tiene tres hijos: Weston, nacido en 1990 de Christina Fulton; Kal-El, llamado así por Superman, nacido en 2005; y August Francesca, nacida en 2022. Ha hablado en entrevistas de una formación católica frágil que ni ha conservado ni abandonado del todo, y de haber aceptado The Carpenter’s Son de Lotfy Nathan porque quería interpretar a un hombre dentro de un acto de fracaso paterno.

Lo siguiente que estrena es la primera serie de televisión que ha protagonizado. Spider-Noir, ocho episodios, llega a MGM+ en Estados Unidos el 25 de mayo de 2026 y al resto del mundo en Prime Video el 27 de mayo, en versión en color y en blanco y negro — decisión suya, pensada para devolver al espectador al cine negro de los años treinta con el que creció. Le dijo a Extra que estaba considerando retirarse cuando le ofrecieron el papel. Más allá de Spider-Noir, produce y protagoniza un nuevo filme del universo Longlegs con Osgood Perkins, programado para enero de 2028 en Paramount. El argumento que el resto de la industria sigue perdiendo frente a él — que no hay etapa en la que esté dispuesto a quedarse quieto — vuelve a renovarse solo.