Sofia Coppola, la directora que se quedó en Hollywood para hacer todo lo contrario

Sofia Coppola

Photo via The Movie Database (TMDB)

Nacimiento	14 de mayo de 1971 New York City, United States
Ocupación	Directora de cine
Conocido por	Perdidos en Tokio, Las vírgenes suicidas, María Antonieta
Premios	Óscar · León de Oro · Best Director, Cannes Film Festival (2017)

Todos los proyectos de Sofia Coppola tienen algo en común: podrían describirse, en un párrafo de presentación a un productor, como la película que el cine de su padre entrenó al público para no querer. Donde Francis Ford Coppola construyó arquitecturas épicas de poder y lealtad empapadas de sangre, su hija volvió una y otra vez a la deriva, a la textura específica del tiempo transcurriendo en habitaciones doradas, al problema de ser joven, mujer y estar rodeada de todo excepto de una razón para quedarse. Que ese enfoque haya producido cine de referencia indiscutible no es una casualidad: es el argumento.

Nació en el seno del cine como otros nacen en el seno de la iglesia, sin haber elegido creer y con todas las razones para acabar decidiendo en qué creer. Creció en rodajes, apareció de bebé en El Padrino y más tarde en el experimento fallido que fue El Padrino: Parte III —actuación recibida con una crueldad que excedía las circunstancias—, y absorbió un conocimiento operativo de lo que el aparato del cine clásico parece y suena desde dentro. Sofia Carmina Coppola nació en mayo de 1971, la hija menor de Eleanor y Francis Ford Coppola, y tenía 19 años cuando salió la tercera parte familiar. La hostilidad con que fue recibida su trabajo fue, paradójicamente, una de las redirecciones más limpias de la historia del cine moderno.

Las vírgenes suicidas (1999), su debut como directora adaptado de la novela de Jeffrey Eugenides, anunció una estética tan acabada que los críticos no sabían dónde ubicarla. Ambientada en un suburbio de Detroit en los años 70, trataba el misterio en su centro —la muerte de cinco hermanas— no como un rompecabezas a resolver sino como una atmósfera a habitar. Su segundo largometraje, Lost in Translation (2003), le valió el Óscar al mejor guion original y la convirtió en la tercera mujer jamás nominada al Óscar a la mejor dirección, y en la primera norteamericana en lograrlo. El entorno del filme —un hotel de lujo en Tokio, la soledad específica de ese nivel de desplazamiento— produjo un código cultural que ha sobrevivido a la década que lo generó.

El caso de Marie Antoinette (2006) es el capítulo central para entender cómo trabaja Coppola. La película se estrenó en Cannes con una recepción que la prensa amplificó hasta el escándalo —circularon relatos de abucheos en los pases de prensa— y fue suficientemente decepcionante en taquilla como para que la propia directora la calificara años después de fracaso. Lo que se rechazaba era una película que rehusaba el registro del drama histórico: usaba la historia de la reina no como advertencia sobre el exceso sino como meditación sobre la impotencia vestida de privilegio extremo, musicalizada con pospunk y fotografiada como un anuncio de perfume. Los últimos veinte años han dado la razón a esa elección. Marie Antoinette ha sido revaluada como una de las obras formalmente más aventuradas de la primera década del siglo, cuyos métodos prestó la moda y cuya estética absorbió el lenguaje visual de los años que siguieron.

Ganó el León de Oro en Venecia en 2010 por En algún lugar, convirtiéndose en la primera norteamericana en obtener el máximo galardón del festival. En 2017, La seducción, su thriller sureño feminista ambientado durante la Guerra Civil norteamericana, ganó el premio a la mejor dirección en Cannes, convirtiéndola en la segunda mujer en los setenta años de historia del festival en obtener ese reconocimiento. Cada uno de estos premios llegó tras películas demasiado silenciosas, demasiado lentas o demasiado invertidas en la subjetividad femenina para haber sido premiadas por ambición pura.

En 2023, Priscilla reexaminó la historia de Elvis desde el punto de vista de Priscilla Presley: un retrato de una mujer que se desvanece dentro de la mitología de otro, musicalizado por Thomas Mars —marido de Coppola y vocalista de Phoenix— sin una sola canción de Elvis en la banda sonora. La película se estrenó en Venecia y dio a su protagonista, Cailee Spaeny, la Copa Volpi a la mejor actriz. Más recientemente, Marc by Sofia, su primer documental —un retrato íntimo del diseñador Marc Jacobs, amigo cercano durante treinta años— se estrenó en Venecia en 2025 y llegó al público americano en marzo de 2026.

Está en las primeras etapas de escritura de su próxima película de ficción. Trabaja también en un documental construido a partir de los materiales que rodó su madre Eleanor en el set de Marie Antoinette, un proyecto que describe como el cumplimiento de uno de los últimos deseos de su madre, previsto para octubre de 2026 en el vigésimo aniversario del filme. La pregunta que recorre toda su obra —qué significa estar rodeada de lujo visible y de restricciones invisibles— sigue sin respuesta definitiva. Solo lleva veintiséis años formulándose.