Cecily Brown, la pintora del deseo que ahora llena sus lienzos de parques y turistas

Cecily Brown

Nacimiento	1969 Londres, Inglaterra
Ocupación	Pintora
Conocido por	Destricted

Si uno se queda mirando un cuadro de Cecily Brown el tiempo suficiente, la tormenta de pinceladas empieza a revelar cuerpos: una rodilla, una boca abierta, dos figuras enredadas en lo que resulta ser la orilla de un río. Esa revelación paulatina ha creado un mercado en el que sus cuadros cambian de manos por millones, y es precisamente eso lo que la pintora británica parece dispuesta a poner ahora en cuestión. Su regreso a Londres este año llenó una galería de Kensington Gardens de troncos caídos, senderos boscosos y dibujos a tinta tomados de libros infantiles; una crítica salió de allí reconociendo que había ido en busca de las orgías ocultas y que, en su lugar, se había encontrado con Humpty Dumpty.

¿Es una retirada o la conclusión lógica de una discusión que Brown lleva manteniendo desde siempre con la pintura? Siempre ha querido que sus cuadros permanezcan abiertos a distintas interpretaciones ante el espectador. «Mi obra siempre ha tenido algo de inestable, en el sentido de que nada está fijado», declaró a WSJ Magazine. «Crees saber qué estás mirando. Vuelves a mirar y cambia». En sus nuevos trabajos, esa inestabilidad se vuelve contra su propia reputación y contra los coleccionistas y críticos que creían saber qué era un cuadro de Cecily Brown.

Hija de la novelista Shena Mackay, Brown creció en Surrey tras nacer en Londres en 1969; estudió en Epsom School of Art y Morley College, y se licenció en la Slade School of Fine Art en 1993. El amigo de la familia que la puso en contacto con Jasper Johns y Richard Serra y la llevó a ver a Francis Bacon fue el crítico David Sylvester, cuyas entrevistas con Bacon había leído cualquier estudiante de arte de la época. A los 21 años, cuando aún estudiaba en la Slade, descubrió que Sylvester era su padre. Años después resumió así las consecuencias: «En Londres soy una enchufada, y aquí la gente no sabe tanto que mi padre era un pez gordo». «Aquí» se refería a Nueva York.

Se trasladó allí en 1994, en parte porque el Londres de Damien Hirst y Sarah Lucas consideraba el deseo de pintar algo ligeramente anacrónico. Jeffrey Deitch le organizó dos exposiciones individuales en Deitch Projects, en el SoHo, en 1997 y 1998, ambas repletas de conejos copulando. En 2000 ya se había incorporado a Gagosian; los conejos se habían convertido en cuerpos humanos medio ahogados en pintura espesa y rápida, y sus precios habían alcanzado las seis cifras.

La fama llegó mucho antes que el reconocimiento de la crítica: posó para Vanity Fair y la situaron junto a John Currin y Lisa Yuskavage entre los pintores figurativos del momento. Roberta Smith, de The New York Times, puso a caldo su primera exposición en Gagosian; más tarde recordó que le habían parecido cuadros «caóticamente desordenados sin motivo, provocadores porque sí» y «hechos para venderse», y se vendieron. La sospecha persiguió a Brown durante una década: que había tomado prestada la arrogancia de Willem de Kooning y los expresionistas abstractos sin asumir sus riesgos, y que las fotografías hacían parte del trabajo.

Lo que esa sospecha pasaba por alto era todo lo que había leído bajo la superficie. Brown saquea a Rubens, Bruegel, Bosch y Goya, y toma títulos del viejo Hollywood, como en Suddenly Last Summer. Sus dibujos van aún más lejos y llegan hasta la portada de Electric Ladyland, de Jimi Hendrix. El comisario Ian Alteveer ha rastreado el término «maid», recurrente en sus títulos, hasta sus años de estudiante en Londres, cuando pagaba las facturas limpiando casas. En 2014 dejó discretamente Gagosian, empezó a trabajar con Andrea Crane, antiguo director de la galería, y repartió su obra entre Paula Cooper, en Nueva York, y Thomas Dane, en Londres. «Quizá habría sido mejor implicarme más y no haber cedido tanto poder», dijo sobre el cambio.

El ajuste de cuentas llegó en el Metropolitan Museum of Art. Cecily Brown: Death and the Maid, comisariada por Alteveer y abierta de abril a diciembre de 2023, fue su primera gran retrospectiva en un museo de Nueva York y giraba en torno a calaveras y mujeres hermosas que se miran al espejo. Brown confesó que sentía «el síndrome de la impostora en su máxima expresión» antes de la inauguración. Smith fue tres veces y después publicó una columna titulada «Me equivocaba sobre Cecily Brown», en la que admitía que había confundido la complejidad deliberada con el desorden porque nunca se había permitido mirar con calma.

El mercado había dejado de esperar a los críticos mucho antes. Suddenly Last Summer se vendió por unos 6,8 millones de dólares en Sotheby’s en 2018 y, en noviembre de 2025, High Society, un lienzo de la época de los conejos, alcanzó los 9,81 millones de dólares en Sotheby’s Nueva York, superando en un 44 % su récord anterior. También ha aprovechado ese tirón para apoyar causas: en 2021 donó There’ll be bluebirds, que recaudó 3,5 millones de libras en Christie’s para ClientEarth, una organización benéfica dedicada al derecho medioambiental.

Por eso importa la reacción a Cecily Brown: Picture Making, presentada en Serpentine South de marzo a septiembre de 2026. Su primera gran exposición de pinturas en un museo británico desde la de Modern Art Oxford en 2005 dio una nueva forma a la vieja crítica. The Arts Desk consideró que su mejor cuadro era uno pintado más de veinte años antes, calificó los lienzos más recientes de «pesados e inertes» y despachó la serie de paseos por la naturaleza como «un cliché pintoresco». Cultbytes tituló su crítica diciendo que Brown rebajaba la carga erótica de su obra. La queja ahora es que ha dejado de ser la pintora por la que la gente pagaba. Es una acusación más extraña que la que Smith formuló en 2000, y dice tanto de la marca como de la pincelada.

No ha bajado el ritmo para responder a sus críticos. A sunset, a ruin, a crowd, and a battle, su cuarta exposición con Thomas Dane y la segunda en su sede de Nápoles, se inauguró el 29 de septiembre y estará abierta hasta el 19 de diciembre de 2026. Sus treinta pinturas y dibujos nuevos pasan del parque de su exposición londinense a las playas de un verano europeo. La pieza central, Sorrento Sunset, mide casi cuatro metros de ancho y muestra una localidad turística abarrotada, donde los visitantes se disputan un selfi a contraluz. Durante el verano, el Cranbrook Art Museum de Michigan expuso uno de sus grandes lienzos junto a obras de Joan Mitchell y Sam Gilliam, dos artistas con los que lleva mucho tiempo midiéndose.

Brown vive en Nueva York con su marido, el crítico de arquitectura Nicolai Ouroussoff, con quien se casó en 2008; su hija nació al año siguiente. Trabaja en un estudio cerca de Union Square y dice que puede pasar de un lienzo grande a una acuarela y luego a un grabado en un solo día.

Nápoles podría ser la respuesta a Londres. Los cuerpos han vuelto, ahora por docenas: están bronceados, llevan teléfonos y hacen cola para tomar cócteles. La pregunta que abre la próxima década de Brown es si los coleccionistas que querían a los amantes entre la maleza querrán ahora a la multitud en la playa. Brown ya ha respondido con pintura.

Etiquetas: artists, pintores, arte contemporáneo, Cecily Brown, Thomas Dane Gallery, David Sylvester