El cineasta que construyó un mundo propio para no tener que adaptarse al de los demás

Baz Luhrmann

Photo via The Movie Database (TMDB)

Nacimiento	17 de septiembre de 1962 Herons Creek, New South Wales, Australia
Ocupación	Director
Conocido por	El gran Gatsby, Moulin Rouge, Elvis
Premios	DGA · 2 Óscar · Officer of the Order of Australia (AO, 2007) · Centenary Medal

Hay cineastas que moldean su lenguaje a cada historia y cineastas que exigen a cada historia que se adapte al suyo. Baz Luhrmann pertenece al segundo grupo, y lo hace con una coherencia que desafía la categorización. Sus películas llegan a un volumen que abruma antes de conmover; el debate sobre si ese volumen es el punto central o el obstáculo lleva más de treinta años sin cerrarse. La Trilogía de la Cortina Roja no fue un accidente de estilo: fue una declaración formal, hecha desde el teatro antes de que el cine fuera siquiera la opción.

Mark Anthony Luhrmann creció en Nueva Gales del Sur entre dos fuerzas que definirían su método. Su padre regentaba una gasolinera y un cine; su madre enseñaba danza. La intersección entre estructura mecánica e interpretación corporal, entre comercio y arte, entre lo local y lo aspiracional, se convirtió en la gramática de todo lo que haría después. Se formó en el National Institute of Dramatic Art de Sídney y montó una primera versión de Estrictamente a bailar como espectáculo teatral vivo antes de que se convirtiera en película. Esa iteración —con su ambiente de circuito amateur de baile de salón, su pareja reprimida, su multitud de personajes que habían confundido la conformidad con la tradición— contenía cada instinto formal que desarrollaría y extendería durante los treinta años siguientes.

Luhrmann llamó Trilogía de la Cortina Roja a sus tres primeros largometrajes, aunque el nombre describe un método tanto como un conjunto. En cada película, la conciencia del artificio está incorporada a la estructura: sabes que estás viendo teatro que ha acordado llamarse cine. Estrictamente a bailar (1992) estableció esto en el mundo del baile de salón competitivo. Romeo + Julieta (1996) mantuvo el verso shakespeariano intacto en una ciudad de codificación contemporánea —cañones con la etiqueta «Espada», dados marcados con «Pecado»— con un Leonardo DiCaprio lo suficientemente joven como para que la película tomara prestada, en lugar de fabricar, su vulnerabilidad. Moulin Rouge! (2001) completó la trilogía tomando prestadas canciones de un siglo de música popular y organizándolas en un argumento emocional: un París que nunca existió, un amor cuyo final se anuncia en la frase de apertura.

Moulin Rouge! fue la más ruidosa de las tres y la más disputada. Obtuvo nominaciones a Mejor Película en los Óscar y los BAFTA, ganó dos Óscar por el trabajo de diseño de Catherine Martin y le valió a Luhrmann el premio de la Directors Guild of America. También produjo la articulación más clara de la objeción a su modo de trabajo: que la sensación funciona como anestesia, que el tamaño del gesto puede ocultar la pobreza del sentimiento que hay debajo. Recibió tanto el elogio como la objeción y no permitió que ninguno de los dos le cambiara.

La década entre Moulin Rouge! y Elvis estuvo llena de ambiciones que no siempre encontraron su forma. Australia (2008) duró casi tres horas, reunió a Nicole Kidman y Hugh Jackman en una epopeya expansiva que quería ser simultáneamente sobre el colonialismo, la nostalgia y la mitología de un continente, y descubrió que la escala podía acomodar los tres temas sin resolver ninguno. El gran Gatsby (2013) colocó la prosa de Fitzgerald sobre una banda sonora de Jay-Z y distribuyó a Leonardo DiCaprio como Gatsby en una película donde el decorado visual del exceso era también el argumento. The Get Down (2016), la serie de Netflix sobre el nacimiento del hip-hop en el South Bronx, fue cancelada tras una temporada a un coste de producción que se convirtió en parte de la historia.

Baz Luhrmann en el Festival Internacional de Cine de Toronto 2025 — Baz Luhrmann en el TIFF 2025. Foto: Kevin Payravi / CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons

Elvis (2022) llegó cuando los críticos ya habían adoptado una posición sobre qué esperar. Lo que llegó fue una recalibración. Austin Butler interpretó a Elvis Presley no como un icono que reconstruir sino como una persona gradualmente absorbida por la maquinaria que la rodeaba; Tom Hanks interpretó al Coronel Tom Parker como el arquitecto cínico de esa maquinaria. La película obtuvo ocho nominaciones al Óscar, incluyendo Mejor Película y Mejor Actor para Butler, y funcionó internacionalmente de maneras en que el más personal Gatsby no lo había hecho.

EPiC, estrenada en 2025, extendió la racha. Con un 97% de valoraciones positivas en Rotten Tomatoes —la mejor recepción crítica de su carrera hasta la fecha—, sugirió que su modo había madurado hasta algo con lo que los críticos podían relacionarse en sus propios términos. Jehanne d’Arc está ahora en preproducción. El trabajo no ha disminuido y el registro no ha cambiado.

Luhrmann ocupa una posición inusual en el cine contemporáneo: demasiado exitoso comercialmente para ser descartado y demasiado polémico para ser canonizado sin discusión. Las objeciones serias a su obra no son triviales. El ritmo puede sustituir a las decisiones de montaje que te harían frenar y obligarían a la escena a hacer su trabajo. La escala puede sustituir a los momentos más pequeños que la escala, por su naturaleza, exige sacrificar. El contraargumento —que todo esto es precisamente la estética, completamente intencional, operando a un nivel de autoconciencia formal que sus detractores tienden a subestimar— es igualmente coherente. Ninguna de las dos posiciones ha encontrado el final de este debate. Luhrmann se ha comportado consistentemente como si no fuera su problema resolverlo.