Sam Mendes, el director que ganó el Óscar en su primera película y dedicó 25 años a descubrir por qué

Sam Mendes

Photo: Frankie Fouganthin / CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Nacimiento	1 de agosto de 1965 Reading, England
Ocupación	Director de cine
Conocido por	1917, Belleza Americana, 007: Operación Skyfall
Premios	2 Óscar · 2 Globo de Oro · 2 BAFTA · 2 Premio Tony

Quienes miraban en 1999 recuerdan que American Beauty parecía una declaración de intenciones —demasiado precisa para ser fruto del azar, demasiado segura de su propia provocación para pertenecer a un director novel. Sam Mendes nunca había rodado una película. Había pasado su vida adulta en el teatro. Y entonces ganó el Oscar, y el cine pasó la década siguiente tratando de decidir qué clase de cineasta había descubierto realmente.

Nació en Reading, creció en el norte de Londres tras el divorcio temprano de sus padres —su padre, profesor universitario de ascendencia trinitense; su madre, autora de libros infantiles— y encontró el escenario antes de que las cámaras fueran siquiera una posibilidad. En Peterhouse College, Cambridge, donde se licenció con matrícula de honor en Inglés en 1987, dirigió obras con esa seguridad institucional que normalmente se adquiere mucho más tarde. En el Chichester Festival Theatre, luego en la Royal Shakespeare Company, avanzó con tal rapidez que a los veinticuatro años fue nombrado director artístico del Donmar Warehouse de Londres.

Su década en el Donmar —uno de los escenarios más pequeños e influyentes del mundo angloparlante— se convirtió en el laboratorio de todo lo que distingue a sus películas: el uso del espacio para comprimir el peso emocional, la larga preparación antes de la revelación, la sensación de que forma y contenido no son preguntas separadas. Dirigió a Judi Dench en El jardín de los cerezos, ganó el Critics Circle Award al Mejor Nuevo Talento, y forjó una reputación tan concreta que, cuando DreamWorks buscó a alguien para dirigir un guion sobre la crisis de mediana edad de un padre de familia suburbano, la oferta no resultó tan extraña como podría haber parecido.

American Beauty llegó con un timing perfecto y ese control formal sostenido que las primeras películas casi nunca tienen. Lester Burnham, interpretado por Kevin Spacey, narrando su propia muerte, se convirtió en la imagen del malestar de una época consigo misma. La cinta se llevó cinco Oscar, incluyendo Mejor Director y Mejor Película. Lo que vino después —y que nadie predijo del todo— fue el arco que crearía ese triunfo. La reacción adversa llegó lentamente: primero en forma de reevaluación crítica, luego de manera más rotunda con las acusaciones contra Kevin Spacey, que complicaron retroactivamente cada escena que contiene el filme. El propio Mendes lo ha abordado con la franqueza de quien hizo la película de buena fe y no puede deshacer lo que esta llegó a ser. Sigue siendo uno de los debuts formalmente más consumados del cine de estudio estadounidense, sea lo que sea ahora.

Camino a la perdición (2002) fue más lenta, más fría y más ambiciosa cinematográficamente —una película que demostró que el debut no había sido suerte. La rodó Conrad Hall. La musicó Thomas Newman. Tom Hanks interpretó a un sicario de la mafia que intenta proteger a su hijo. Era el tipo de segundo filme que muestra a un director que ha pensado seriamente en lo que el cine puede hacer, más que en lo que suele hacer. Jarhead (2005) convirtió la Guerra del Golfo en un ensayo sobre el aburrimiento institucional y los mecanismos de la deshumanización. Revolutionary Road (2008) lo reunió con la asfixia suburbana de su debut, esta vez con Kate Winslet cargando con el peso que antes había llevado Spacey. Away We Go (2009) fue más pequeña, más tranquila, de esas películas que a los críticos les cuesta clasificar y al público le resulta fácil querer.

El encargo de Bond es donde el consenso crítico sobre Mendes siempre ha sido más difícil de estabilizar. Skyfall (2012) está considerada ampliamente una de las mejores películas de la franquicia en sus sesenta años de historia —una obra que utiliza la infraestructura de Bond para preguntar algo genuinamente incómodo sobre el legado, la obsolescencia y el precio de la lealtad. Spectre (2015) no impactó con la misma fuerza, aunque ambas películas son más coherentes internamente de lo que sugiere la diferencia en su recepción. Lo que demostró el período Bond es que Mendes puede dirigir a gran escala sin perder el control que hace funcionar sus películas íntimas —una combinación más rara de lo que la industria supone.

La acusación que le persigue —que sus películas son técnicamente brillantes pero emocionalmente frías, que el oficio supera al sentimiento— se ha repetido lo suficiente como para tomársela en serio. No es del todo incorrecta. Sus filmes están controlados de una manera que algunos públicos experimentan como distancia. Pero el control, en el cine, es una elección con un coste y un propósito. En el caso de Mendes, el propósito es la precisión sobre cómo las personas construyen y luego sobreviven a la lenta destrucción de las vidas que querían —que es el tema al que vuelven la mayoría de sus películas, ya sea el escenario un jardín suburbano, una trinchera de la Primera Guerra Mundial o un cine costero en la Inglaterra de los ochenta.

En 2019, 1917 zanjó parte de ese debate. Rodada para parecer un único plano secuencia —una proeza técnica que habría consumido por completo la atención de cualquier director— ganó siete BAFTA, dos Globos de Oro y un éxito popular que la más pequeña y extraña El imperio de la luz (2022) declinó deliberadamente perseguir. Aquella película, ambientada en un cine costero durante los primeros años de Thatcher, fue malinterpretada por la mayoría de los críticos como nostálgica. Está más cerca de un argumento sobre lo que las imágenes en movimiento hacen a personas que no tienen otro lugar al que ir.

Su trabajo teatral ha corrido en paralelo sin interrupción. The Ferryman, ambientada durante el conflicto norirlandés, le valió su primer Tony a la Mejor Dirección de una Obra de Teatro en 2019. The Lehman Trilogy —la epopeya de Stefano Massini que narra el ascenso y la caída del banco que ayudó a detonar la crisis financiera de 2008— le valió un segundo Tony en 2022. Es el trabajo que aborda más directamente el tema que recorre todas sus películas: lo que ocurre cuando la gente confunde la maquinaria que ha construido con algo permanente.

Actualmente se encuentra en producción del proyecto más ambicioso de su carrera y, posiblemente, de cualquier director británico en activo: cuatro películas biográficas simultáneas sobre los cuatro Beatles, cada una contada desde la perspectiva de un miembro, cada una dirigida íntegramente por él mismo. Paul Mescal interpreta a Paul McCartney, Harris Dickinson a John Lennon, Joseph Quinn a George Harrison, Barry Keoghan a Ringo Starr. El rodaje está en marcha en los Abbey Road Studios de Londres. Las cuatro películas tienen previsto su estreno en cines en abril de 2028. Son los primeros largometrajes de ficción en asegurarse los derechos del catálogo musical completo de los Beatles —lo que significa que, si funcionan, funcionarán como nada parecido lo ha hecho antes.