Steve McQueen, el director de «12 años de esclavitud» que siempre vuelve al museo

Steve McQueen

Photo: Dublin International Film Festival / CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

Nacimiento	9 de octubre de 1969 London, England, United Kingdom
Ocupación	Director de cine y artista
Conocido por	12 años de esclavitud, Shame: deseos culpables, Hunger
Premios	Óscar · BAFTA · Globo de Oro · Caméra d'Or, Cannes Film Festival · Turner Prize · Erasmus Prize · Knight Bachelor

En una galería a oscuras de Bilbao, dos voces que nunca llegaron a encontrarse cantan la misma canción desde paredes opuestas. Nina Simone ocupa un extremo de la sala y David Bowie, el otro; ambos, sin sus bandas, interpretan «Wild Is the Wind». Los visitantes pasan entre las dos grabaciones y se convierten, según la propia propuesta del artista, en la otra voz de la obra. Para un hombre que ha ganado el máximo galardón que concede Hollywood, es una forma reveladora de pasar el otoño. Sus películas más conocidas han llegado a millones de personas, pero las preguntas que le mueven siguen siendo las que planteó por primera vez en salas como esta, donde el público tiene que desplazarse para poder ver.

Este Steve McQueen no es la estrella estadounidense de Bullitt y The Great Escape: solo comparten nombre. Sir Steve McQueen nació en Londres, hijo de un padre granadino y una madre trinitense, y creció en Ealing, al oeste de la ciudad. En el instituto Drayton Manor lo asignaron a una clase concebida, según contaría más tarde, para «trabajos manuales, más fontaneros y albañiles». Era disléxico y llevaba un parche por tener un ojo vago; años después, un director del centro le dijo que, en aquella época, la escuela era institucionalmente racista.

El arte le permitió salir de allí. Estudió en Chelsea College of Arts y después en Goldsmiths, donde la pintura dio paso al cine. Su breve paso por la Tisch School of the Arts de la Universidad de Nueva York terminó porque, según se quejaba, «no te dejaban lanzar la cámara por los aires». Sus cortometrajes de los años noventa fueron una respuesta a aquello. En Bear, dos hombres desnudos se rodean con miradas que podrían expresar deseo o amenaza. En Deadpan, recrea una escena de riesgo de Buster Keaton: se coloca en el hueco de una ventana mientras el frente de una casa se desploma a su alrededor, sin tocarlo. Silenciosas, en blanco y negro y proyectadas sobre las paredes de una galería, aquellas obras le valieron el Premio Turner en 1999, pocas semanas después de cumplir 30 años.

Aquel premio ya apuntaba una pauta. La mayor parte de la atención mediática de ese año se la llevó Tracey Emin, mientras McQueen seguía trabajando al margen del ruido. Filmó a trabajadores migrantes en las profundidades de una mina de oro sudafricana para Western Deep, que se exhibió en documenta 11, y viajó a Irak en 2006 como artista de guerra oficial del Imperial War Museum. El resultado, Queen and Country, presentó los retratos de los soldados británicos muertos en la guerra en forma de pliegos de sellos. Royal Mail se negó a ponerlos en circulación.

El cine llegó tarde, pero con una voz propia desde el principio. Hunger, sobre la huelga de hambre republicana de 1981 en la prisión de Maze, con Michael Fassbender en el papel de Bobby Sands, ganó la Caméra d’Or en Cannes en 2008; ningún director británico había obtenido antes ese premio a la mejor ópera prima. Fassbender volvió a trabajar con él en Shame, un retrato gélido de un adicto al sexo en Nueva York junto a Carey Mulligan, y de nuevo en 12 años de esclavitud, adaptación del relato de 1853 de Solomon Northup, un hombre negro libre secuestrado y vendido como esclavo. Con Chiwetel Ejiofor como protagonista y Lupita Nyong’o ganando el Óscar a mejor actriz de reparto, la película se llevó el premio a mejor película en 2014 y el BAFTA a mejor película. Como uno de sus productores, McQueen se convirtió en el primer cineasta negro en ganar el Óscar a mejor película y en la primera persona en obtener tanto un Óscar como el Premio Turner.

Presentó la película como una rectificación, no como un triunfo. La Segunda Guerra Mundial, dijo en 2014, duró cinco años y ha dado lugar a cientos de películas; la esclavitud duró 400 años y las películas sobre ella no llegaban a 20. Seis años después escribió en The Guardian sobre el «racismo flagrante» de la industria británica del cine y la televisión, y recordó un rodaje londinense cuya blancura le resultaba difícil de creer.

El siguiente paso desconcertó a quienes esperaban una trayectoria más lineal. Viudas, coescrita con Gillian Flynn y protagonizada por Viola Davis, era un thriller de atracos ambientado en Chicago y basado en una serie británica de televisión de los años ochenta. Después llegó Small Axe, cinco películas para BBC One y Prime Video ambientadas en la comunidad de las Indias Occidentales de Londres entre finales de los años sesenta y principios de los ochenta. Mangrove y Lovers Rock fueron seleccionadas para la edición de Cannes que la pandemia obligó a cancelar; Lovers Rock, que transcurre durante una sola noche en una fiesta en una casa, encabezó la encuesta de críticos de Sight and Sound de 2020; y la última película, Education, se inspiró en su propia experiencia escolar. McQueen dijo que no habría podido hacerlas al principio de su carrera porque entonces «no tenía la madurez necesaria».

La crítica que se le hace a McQueen es que las dos vertientes de su obra han empezado a distanciarse. Blitz, su regreso al largometraje, sigue a un niño mestizo, interpretado por Elliott Heffernan, que escapa de un tren de evacuación para intentar volver con su madre, a quien da vida Saoirse Ronan, a través de un Londres bombardeado. Inauguró el BFI London Film Festival en 2024 y llegó a Apple TV+ unas semanas después, pero no todos los críticos le siguieron hasta allí. En The Ringer, Adam Nayman sostuvo que las convenciones bélicas prestadas por la película sepultaban al artista bajo ellas: McQueen, escribió, «queda engullido por su propio y brillante disfraz». La historia ordenada del artista de galería que conquistó Hollywood pasa por alto algo: la obra que, según sus propios críticos, se ha sentido más libre es la más alejada de Hollywood.

Es ahí donde ha transcurrido su trabajo en los últimos años. Occupied City, basada en la investigación de su esposa, la crítica e historiadora neerlandesa Bianca Stigter, superpone la ocupación nazi de Ámsterdam a imágenes actuales de esas mismas direcciones; se estrenó en Cannes en 2023 y, más tarde, una versión de 34 horas se proyectó en el Rijksmuseum. Grenfell, una película financiada por él mismo sobre el incendio de la torre en 2017 que causó 72 muertes, recorre galerías británicas hasta 2027. McQueen ha optado por hablar poco de ella para que la atención siga centrada en las víctimas y sus allegados. Entre 2025 y 2026 ocupó la cátedra Charles Eliot Norton de Harvard. En marzo de 2026, la Praemium Erasmianum Foundation lo nombró ganador del Premio Erasmus de ese año «por su compromiso inquebrantable con el espíritu humano».

McQueen y Stigter mantienen una casa en Ámsterdam desde 1997, además de otra en Londres, y tienen dos hijos. En los Honores de Año Nuevo de 2020 fue nombrado caballero por sus servicios al arte y al cine.

La próxima temporada pertenece a las galerías. Las obras sobre papel de McQueen se exponen en el stand de Thomas Dane Gallery en Frieze London, y 66–76–26, el dueto de Simone y Bowie, se inaugura en el Guggenheim Bilbao el 9 de octubre de 2026 y podrá visitarse hasta el 21 de febrero de 2027; está previsto que el Premio Erasmus se entregue este otoño. No se ha anunciado ningún nuevo largometraje. En el caso de McQueen, eso nunca ha significado que haya dejado de hacer películas. Suele significar que la próxima estará en una pared.