Adrien Brody, del Oscar a mejor actor más joven de la historia al discurso más largo de la gala

Adrien Brody

Photo: PhilipRomanoPhoto / CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Nacimiento	14 de abril de 1973 New York City, New York, USA
Ocupación	Actor
Conocido por	El gran hotel Budapest, El pianista, Fantástico Sr. Fox
Premios	Premio Satellite · Óscar · National Society of Film Critics Award for Best Actor · Boston Society of Film Critics Award for Best Actor · César · Black Reel Award for Best (compartido) · Globo de Oro · Time 100 · BAFTA · Critics Choice · New York Film Critics Circle Award for Best Actor · Ellis Island Medal of Honor

Dos noches definen la vida pública de Adrien Brody, y ambas tuvieron lugar en el mismo escenario. En la primera, era un joven delgado y visiblemente aturdido que subió los escalones de un salto, agarró a la presentadora y la besó; después hizo señas a la orquesta para que dejara de tocar porque quería hablar de un amigo de Queens que servía como soldado en Kuwait. En la segunda, era un veterano con las sienes grises que, camino del escenario, lanzó el chicle a su pareja y luego habló durante cinco minutos y cuarenta segundos: más que nadie antes que él con un Oscar en la mano. Una noche lo convirtió en el hombre más joven en ganar el Oscar al mejor actor. La otra, en el autor del discurso de agradecimiento más largo de la historia de la ceremonia.

Lo que ocurrió entre ambas noches es más difícil de resumir, y esa dificultad es precisamente lo más interesante de Brody. Hollywood le concedió el premio que suele convertir a un actor en protagonista de una franquicia, y él pasó los veinte años siguientes negándose a comportarse como tal. Interpretó a un ventrílocuo, a un guionista perseguido por un gorila, a un villano de Wes Anderson con abrigo de cuero, a un pintor surrealista obsesionado con los rinocerontes y a un entrenador de baloncesto con el pelo engominado hacia atrás. Pintó peces y perritos calientes y los vendió en ferias de arte. Escribió y compuso la música de un pequeño drama de venganza ambientado en el barrio donde creció. Cuando por fin llegó el segundo Oscar por The Brutalist, se recibió menos como una resurrección que como un recordatorio: el hombre al que habían archivado como un actor de un solo papel simplemente había estado trabajando en otra parte.

El hijo de una fotógrafa en Queens

Adrien Nicholas Brody creció en Woodhaven, Queens, hijo único de dos personas que se tomaban muy en serio las imágenes. Su madre, Sylvia Plachy, es una fotógrafa nacida en Hungría cuyas imágenes se publicaron durante décadas en el Village Voice; de niña, dejó Budapest con sus padres tras la represión soviética de 1956. Su padre, Elliot Brody, daba clases de historia y pintaba; procedía de una familia de judíos polacos que perdió a parientes en el Holocausto. La propia Plachy fue criada por un padre católico y una madre judía cuya familia también había sufrido las consecuencias de la guerra. Brody nació el 14 de abril de 1973 en un hogar donde el desplazamiento formaba parte de la historia familiar y no era una abstracción, y donde en la mesa se hablaba de composición, luz y memoria.

Pasó buena parte de su infancia siguiendo a su madre por Nueva York cuando iba a hacer reportajes. Ha contado que posar constantemente para las fotos de niño hizo que se sintiera muy cómodo delante de un objetivo, y que observar a su madre esperar el instante preciso le enseñó a tener paciencia antes incluso de saber qué era actuar. Sus primeras actuaciones no fueron en un teatro. Anunciado como «The Amazing Adrien», hacía trucos de magia en fiestas infantiles: un pequeño negocio basado en el arte de la distracción que más tarde describió como su primera lección para mantener la atención del público.

Sus padres lo animaron a apuntarse a clases de interpretación, en parte para mantenerlo ocupado y alejado de los problemas que no faltaban en el barrio. A los trece años ya había aparecido en una producción Off-Broadway. Después estudió en la Fiorello H. LaGuardia High School of Music & Art and Performing Arts, el instituto de Manhattan cuya lista de antiguos alumnos parece un directorio de reparto, y asistió a clases en la American Academy of Dramatic Arts. Tras graduarse, probó brevemente la universidad, primero en Stony Brook University y después en Queens College, pero el trabajo ya lo reclamaba.

Un largo aprendizaje

Brody debutó en la pantalla en Home at Last, una película para televisión de PBS de 1988, y ese mismo año fichó como miembro habitual del reparto de la comedia de CBS Annie McGuire, que apenas duró unos cuantos episodios. Un año después tuvo un pequeño papel en el segmento de Francis Ford Coppola de la película colectiva New York Stories. Nada de aquello hacía presagiar lo que vendría, y durante casi toda la década siguiente Brody trabajó como tantos jóvenes actores neoyorquinos: sin parar, en papeles que rara vez ocupaban el centro de la pantalla.

El trabajo que todavía señala como el verdadero comienzo llegó en 1993, cuando Steven Soderbergh lo eligió para King of the Hill, un drama de iniciación ambientado durante la Gran Depresión. Brody interpretó a Lester, un chico mayor encantador y algo peligroso, y aquel papel le permitió comprobar por primera vez que los críticos se fijaban en él. Después llegaron papeles secundarios en Angels in the Outfield y Bullet, un drama criminal en el que compartió pantalla con Mickey Rourke y Tupac Shakur. El cine independiente se lo tomó más en serio que los grandes estudios. Su interpretación de un camarero que aspira a ser dramaturgo en Restaurant le valió una nominación al Independent Spirit Award al mejor actor protagonista, y en 1999 apareció en dos retratos muy distintos de barrios estadounidenses: Summer of Sam, de Spike Lee, y Liberty Heights, de Barry Levinson.

La década también le trajo el revés que marcó su actitud hacia la industria. Terrence Malick lo eligió para interpretar al cabo Fife en The Thin Red Line, y durante un tiempo se entendió que el personaje sería el centro emocional de la película. Después, Malick pasó meses en la sala de montaje y reconfiguró el filme bélico alrededor de otros personajes; cuando se estrenó, Brody solo aparecía unos minutos y decía un par de frases. Se enteró de los cortes, como es bien sabido, en el estreno. En entrevistas posteriores ha hablado del episodio con cierta generosidad y ha apuntado que alcanzar la fama de golpe a esa edad podría haberle perjudicado más que beneficiado. También le dejó una conciencia duradera de lo poco que controla un actor de todo lo que acaba en pantalla, una lección que más tarde lo empujaría a producir y escribir.

The Pianist y el precio de la inmersión total

Roman Polanski había visto a Brody en Harrison’s Flowers, un drama bélico ambientado en los Balcanes, y en 2001 lo eligió para interpretar a Władysław Szpilman en The Pianist. Szpilman fue un pianista y compositor polaco judío que sobrevivió a la destrucción del gueto de Varsovia escondiéndose entre las ruinas de la ciudad. Sus memorias exigían que un actor representara el hambre, el aislamiento y la lenta desaparición del yo. Brody se tomó el reto al pie de la letra. Dejó su apartamento y su coche, desconectó el teléfono y perdió unos catorce kilos, hasta quedarse en alrededor de 59 kilos sobre una complexión ya de por sí delgada. Practicaba Chopin durante horas cada día para que sus manos parecieran acostumbradas al teclado.

Ha descrito los meses de preparación como algo parecido a una crisis personal. Según contó, el aislamiento lo dejó con una sensación de pérdida y una depresión que persistieron mucho después de terminar el rodaje, y ha explicado que necesitó un largo periodo para volver a la vida cotidiana. También pesaba la historia familiar: Brody se inspiró en lo que la familia de su padre había perdido en Polonia y en lo que su madre había traído consigo de Hungría cuando era niña. Nunca ha fingido que la película fuera un papel más.

El resultado fue una interpretación de extraordinaria contención física y emocional que dio un vuelco a la temporada de premios. Brody había perdido el BAFTA, el Globo de Oro y el premio del Sindicato de Actores, pero en marzo de 2003 se impuso a Daniel Day-Lewis, Jack Nicholson, Michael Caine y Nicolas Cage y ganó el Oscar al mejor actor. Con 29 años se convirtió en el ganador más joven de la historia de la categoría, y más de dos décadas después sigue siendo el único ganador del Oscar al mejor actor menor de treinta años. En Francia, la película también le valió el César al mejor actor: era la primera vez que un intérprete estadounidense ganaba ese premio. El beso que plantó a Halle Berry cuando ella le entregó la estatuilla se convirtió en uno de los momentos más repetidos de la historia de los Oscar, y en 2025 ambos lo recrearon, en tono de broma, en la alfombra roja antes de la ceremonia.

Rechazar el camino más obvio

El Oscar le abrió puertas, y Brody atravesó varias de ellas a propósito en la dirección equivocada. En lugar de encadenar papeles protagonistas de prestigio, tomó una serie de decisiones que, desde fuera, parecían casi diseñadas para desconcertar. Interpretó a un ventrílocuo solitario en la comedia independiente Dummy. Asumió el papel de Noah Percy, un joven con una discapacidad del desarrollo, en The Village, de M. Night Shyamalan. Fue un veterano de la guerra del Golfo atrapado en un hospital de pesadilla en The Jacket, y un detective de poca monta que investigaba la muerte del Superman televisivo George Reeves en Hollywoodland.

La excepción fue King Kong, de Peter Jackson, donde interpretó al guionista Jack Driscoll junto a Naomi Watts y a un gorila generado por ordenador de tamaño descomunal. Fue el mayor éxito comercial de su carrera y demostró que podía sostener una superproducción. No hizo otra después. En su lugar llegó la relación creativa más duradera de su vida profesional. Wes Anderson lo eligió para interpretar al hermano mediano, ansioso, en The Darjeeling Limited; después, como un ratón de campo en la película de animación stop-motion Fantastic Mr. Fox; y más tarde como Dmitri, el heredero asesino vestido de negro de The Grand Budapest Hotel. Volvió como marchante de arte en The French Dispatch y como director de teatro en Asteroid City. Los mundos precisos e inexpresivos de Anderson encajaban con un intérprete capaz de hacer gracia con la quietud, y le ofrecieron un espacio para actuar sin cargar con el peso de llevar una película sobre sus hombros.

En otros proyectos, las decisiones siguieron yendo de un extremo a otro. Interpretó a Salvador Dalí en Midnight in Paris, de Woody Allen, en una única escena de fanfarronería obsesionada con los rinocerontes que el público todavía cita. Fue un ingeniero genético que toma una decisión desastrosa en Splice, de Vincenzo Natali, y un mercenario perseguido por una jungla alienígena en Predators. En Detachment, de Tony Kaye, ofreció una de sus interpretaciones más descarnadas como un profesor sustituto que deambula por un instituto en decadencia; también ejerció de productor ejecutivo de la película. Por aquella época fundó su propia productora, Fable House, y empezó a producir filmes más pequeños como Giallo, Wrecked y Manhattan Night.

La televisión y su segunda carrera a la vista de todos

Mucho antes de que la televisión de prestigio se convirtiera en el refugio obvio para los actores de cine, Brody ya la utilizaba para asumir mayores riesgos. En 2014 interpretó al escapista Harry Houdini en la miniserie de History Houdini, un papel ligado a sus números de magia de la infancia que le valió nominaciones a los Primetime Emmy y al Sindicato de Actores. En 2017 apareció en la cuarta temporada de Peaky Blinders como Luca Changretta, el mafioso neoyorquino que llega a Birmingham para saldar una cuenta pendiente con la familia Shelby, en una interpretación de amenaza teatral que los seguidores de la serie todavía debaten.

La racha continuó en la década de 2020. En Succession, de HBO, interpretó a Josh Aaronson, un inversor activista que arrastra a Logan Roy a un humillante paseo por su isla privada. Los dos episodios le valieron una nominación al Emmy al mejor actor invitado. Encabezó el reparto de la adaptación de Stephen King Chapelwaite, en la que daba vida a un viudo del siglo XIX que se instala en la casa maldita de su familia, y fue productor ejecutivo de la serie. En Winning Time: The Rise of the Lakers Dynasty convirtió al entrenador Pat Riley en un estudio de ambición y gomina, y en la primera temporada de Poker Face, de Rian Johnson, interpretó a un heredero de un casino junto a Natasha Lyonne. En cine apareció como un director de Hollywood en el misterio de asesinato See How They Run, como el dramaturgo Arthur Miller en Blonde y como villano en la comedia de acción Ghosted.

El proyecto más personal de esa etapa fue Clean, un drama de venganza de 2021 sobre un basurero que intenta escapar de un pasado violento. Brody coescribió el guion, produjo la película, interpretó el papel protagonista y compuso la banda sonora. Ha dicho que es un retrato del lado más áspero de la Nueva York en la que creció. La película tuvo un éxito discreto, pero dejaba claro hacia dónde se dirigían sus ambiciones: hacia la autoría, no solo la interpretación. También ha compuesto música para el documental Stone Barn Castle, sobre la histórica propiedad que compró y restauró en el norte del estado de Nueva York.

The Brutalist y una segunda noche en el escenario de los Oscar

The Brutalist, de Brady Corbet y escrita junto a Mona Fastvold, era el tipo de proyecto que llevaba años rondando la carrera de Brody sin llegar a materializarse. Interpretó a László Tóth, un arquitecto ficticio judío húngaro que sobrevive a los campos de concentración, llega a Pensilvania después de la guerra y queda bajo la protección —y poco a poco también bajo el dominio— del adinerado industrial Harrison Lee Van Buren, interpretado por Guy Pearce. Felicity Jones dio vida a la esposa de Tóth, Erzsébet. La película se estrenó en el Festival de Venecia de 2024, donde Corbet ganó el León de Plata a la mejor dirección, y duraba unas tres horas y media, incluido un intermedio.

Para Brody, la historia le tocaba demasiado de cerca. La huida de Tóth de Hungría evocaba la de su madre y sus abuelos en los años cincuenta, y el actor explicó que tomó elementos del acento de su abuelo para dar forma al inglés del personaje. También trazó un paralelismo entre la obstinada visión artística del arquitecto y la dedicación de toda una vida de su madre a la fotografía. La película se rodó en VistaVision, un formato panorámico prácticamente abandonado desde los años sesenta, y se proyectó en 70 mm en un puñado de cines; esa ambición técnica pasó a formar parte de su reputación.

La sucesión de premios que vino después estuvo a punto de ser impecable. Brody ganó el premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York, el Globo de Oro al mejor actor de drama, el premio Critics’ Choice y el BAFTA al mejor actor protagonista. El 2 de marzo de 2025, en la 97.ª edición de los Oscar, ganó su segundo premio al mejor actor, veintidós años después del primero. La película se llevó tres Oscar en total, con otros dos para la fotografía de Lol Crawley y la banda sonora de Daniel Blumberg. El balance de Brody es ahora de dos nominaciones y dos premios.

Su discurso de agradecimiento duró cinco minutos y cuarenta segundos, y batió el récord que Greer Garson mantenía desde 1943. Cuando la orquesta empezó a tocar para indicarle que terminara, le pidió que parase, igual que había hecho en 2003, y siguió hablando de las secuelas persistentes de la guerra, del antisemitismo y el racismo, y de la fragilidad de una carrera en la que, como dijo, uno puede perderlo todo en cualquier momento. Dio las gracias a Georgina Chapman y a sus hijos, y también a sus padres. El discurso dividió al público: a algunos les conmovió; a otros simplemente les pareció largo. Pocos lo olvidaron. Dos meses después, en mayo de 2025, recibió la Medalla de Honor de Ellis Island, un galardón para estadounidenses cuyas vidas reflejan la historia migratoria del país, un honor que encajaba con una precisión poco habitual en el recorrido de su papel.

Lo que quedó fuera de la temporada de premios

El triunfo no estuvo exento de fricciones, y un relato justo tiene que incluirlas. Unas semanas antes de los Oscar, el montador de la película reveló que se había utilizado una herramienta de voz basada en inteligencia artificial para perfeccionar el diálogo en húngaro de Brody y Jones, y apuntó que también se habían empleado herramientas generativas en algunas imágenes arquitectónicas. Corbet respondió que las interpretaciones eran íntegramente de los actores, que el programa solo había ajustado los sonidos vocálicos de un idioma notoriamente difícil para quienes no lo hablan como lengua materna y que los edificios que aparecen en pantalla se habían dibujado a mano. La explicación no zanjó el debate más amplio sobre dónde acaba la posproducción aceptable, y The Brutalist se convirtió en tema de conversación en esa discusión, tuviera o no algo que ver su protagonista con la decisión.

Los críticos también plantearon otras cuestiones. Algunos escritores especializados en arquitectura sostuvieron que la película no entendía el brutalismo, y otros señalaron que la biografía de Tóth toma mucho de la vida del arquitecto real Marcel Breuer, pese a presentarlo como un personaje ficticio. La duración puso a prueba la paciencia de algunos espectadores. Y la reputación del propio Brody añadía otra complicación: con los años, algunos comentaristas han descrito como afectada seriedad la misma intensidad que los críticos alababan en su trabajo, y la duración de su discurso en los Oscar reavivó esa caricatura durante unos días. La ironía es que la interpretación en sí era un ejercicio de contención, construido a base de silencios y de un cuerpo que parece estar siempre preparado para recibir otro golpe.

El pintor que no deja de salir del plató

La pintura no es una afición para Brody, sino una práctica paralela con su propia trayectoria expositiva. Creció rodeado de los lienzos de su padre y las fotografías de su madre, y en una etapa se apartó durante un tiempo de la interpretación para dedicarse a pintar a jornada completa. Sus exposiciones han llevado títulos como «Hooked», «Hotdogs, Hamburgers and Handguns» y «Metamorphosis: Transformations of the Soul», y su obra se inclina por la imaginería pop: peces enganchados a anzuelos, comida rápida y logotipos de marcas transformados en advertencias sobre el consumo, la violencia y el medio ambiente. Algunas piezas se han vendido por sumas elevadas en subastas benéficas; los comentarios en internet han sido más duros que los coleccionistas. Brody ha dicho que valora la pintura porque no tiene que responder ante nadie, justo lo contrario de un rodaje, donde el trabajo del actor está condicionado por directores, montadores y departamentos de marketing.

La música discurre en paralelo. La banda sonora de Clean era suya, igual que la música de Stone Barn Castle, y considera la composición otra vía de acceso a los mismos temas que explora delante de la cámara. El hilo conductor es el control. En un lienzo o ante un teclado, nadie puede reducir en la sala de montaje a unos pocos minutos lo que crea, como ocurrió con su primer gran papel. Es difícil no ver al pintor y al compositor como la respuesta al joven actor de The Thin Red Line.

Del Donmar a Broadway

Después del segundo Oscar, lo obvio habría sido aprovecharlo para conseguir papeles en el cine. Brody eligió los escenarios. En el otoño de 2024, antes incluso de que la temporada de premios alcanzara su punto álgido, debutó en el teatro londinense en el Donmar Warehouse con The Fear of 13, una obra de Lindsey Ferrentino sobre Nick Yarris, un hombre de Pensilvania que pasó más de dos décadas en el corredor de la muerte por un asesinato que no había cometido, hasta que las pruebas de ADN demostraron su inocencia. La dirigió Justin Martin, y la interpretación le valió a Brody una nominación al premio Laurence Olivier al mejor actor en 2025.

En 2026, el montaje llegó a Broadway con un nuevo director, David Cromer, y una nueva coprotagonista, Tessa Thompson, que interpretaba a una voluntaria de prisiones que cambia el rumbo de la vida de Yarris. Era el debut en Broadway de ambos actores. Las funciones previas comenzaron en el James Earl Jones Theatre el 19 de marzo de 2026, y la obra se estrenó el 15 de abril en una temporada limitada de dieciséis semanas. Los críticos estadounidenses fueron más comedidos que sus colegas londinenses. La mayoría elogió a los dos protagonistas, pero consideró que la propia obra estaba encorsetada por su estructura, y cuando llegaron las nominaciones a los Tony en primavera, The Fear of 13 solo obtuvo dos, por diseño de iluminación y de sonido. Brody se quedó fuera de la pugna al mejor actor, en una de las exclusiones más comentadas de la temporada. Para un intérprete al que acababan de celebrar en todas partes, fue un recordatorio de que el teatro lleva sus propias cuentas y de que él había elegido someterse a su juicio.

Los próximos proyectos

La agenda de Brody apunta a que no piensa bajar el ritmo. En mayo de 2026 se anunció que protagonizaría Last Dance, un drama sobre la relación entre un padre y su hija dirigido por el brasileño Karim Aïnouz, junto a Rachel Zegler y Ben Platt. Interpreta a Elliot, un célebre compositor de Broadway que invita a su hija a un crucero gay por el Caribe en 1991; Platt también compondrá música original para la película. Durante el verano estuvo en Zagreb rodando Snake Island, un thriller dirigido por Doug Liman y coprotagonizado por Sean Penn, inspirado en el sabotaje de los gasoductos Nord Stream bajo el mar Báltico en 2022. El rodaje empezó en julio y estaba previsto que concluyera a finales de septiembre de 2026. También está vinculado a Emperor, el drama histórico de Lee Tamahori en el que interpreta al gobernante del siglo XVI Carlos V, un proyecto cuya fecha de estreno aún no se ha confirmado.

Vida privada

Brody protege su vida privada más de lo que podrían sugerir sus apariciones públicas. Mantuvo una relación con la actriz española Elsa Pataky de 2006 a 2009 y, más adelante, estuvo varios años con la modelo Lara Lieto. Desde aproximadamente 2019 su pareja es la diseñadora de moda inglesa Georgina Chapman, cofundadora de la firma Marchesa, a quien dio las gracias desde el escenario de los Oscar junto a sus dos hijos. Brody no tiene hijos propios. Sus padres siguen siendo una presencia constante: Sylvia Plachy lo ha fotografiado a lo largo de toda su vida, y él rara vez habla de su trabajo sin mencionar lo que aprendió de ellos.

Un actor que no deja de cambiar el encuadre

Resulta tentador interpretar la carrera de Adrien Brody como una línea recta entre dos papeles marcados por la sombra del Holocausto, The Pianist y The Brutalist, ambos inspirados en la historia familiar del hijo de una fotógrafa de Queens. Esa línea existe, y los dos Oscar hacen imposible ignorarla. Pero deja fuera casi todo lo que hizo entre una película y otra: las comedias de Anderson, los villanos televisivos, las bandas sonoras y los lienzos, la pequeña película sobre un basurero que escribió él mismo y la decisión de subirse a un escenario ocho veces por semana ante críticos que no le debían nada. El actor más joven en ganar el Oscar al mejor actor se convirtió, dos décadas después, en quien más tiempo habló, y es en la distancia entre esos dos récords donde ha estado escondido todo este tiempo el intérprete más interesante. Sus próximas pruebas ya figuran en la agenda: un drama a bordo de un crucero sobre un padre y una hija, y un thriller sobre unos buceadores en el fondo del Báltico. Ninguna de las dos opciones es la más obvia para un ganador de dos Oscar. Brody rara vez ha elegido la más obvia.