Las mejores películas de A24, ordenadas de mayor a menor

Ninguna distribuidora ha modelado la última década del cine estadounidense como A24, y ninguna se ha convertido tan por completo en un personaje. Se hizo un nombre comprando películas raras que otras compañías no querían tocar, luego empezó a financiarlas y después ganó el Oscar a la mejor película por partida doble. Lo que sigue no es una clasificación de sensaciones. Ordenamos estas películas por lo que cada una arriesgó y por lo que cambió: el terror que reprogramó su género, los dramas domésticos que entregaron a actores veteranos los papeles de su vida, la ciencia ficción que todavía no se parece a nada.

Algunas son objetos de culto y otras arrasaron en los Oscar; unas cuantas siguen esperando al público que merecen. El orden va de mayor a menor, así que el argumento arranca en lo más alto y solo se vuelve más ruidoso a partir de ahí: las verdaderas sorpresas, y las películas por las que la gente peleará con más fuerza, están más abajo en la lista. Discrepa con libertad. De eso trata una lista como esta.

1. Moonlight

Barry Jenkins convirtió una historia de mayoría de edad en tres actos en algo muy cercano al recuerdo mismo, y ganó el Oscar a la mejor película haciéndolo. Moonlight sigue siendo la película que demostró que A24 podía ser tierna en lugar de meramente rara: un niño que se convierte en hombre a lo largo de tres actores y tres capítulos, cada uno más silencioso y demoledor que el anterior. Nada de lo que la compañía ha estrenado desde entonces ha igualado esa combinación de control formal y corazón abierto.

2. Everything Everywhere All at Once

Daniels —Daniel Kwan y Daniel Scheinert— lograron que el maximalismo cargara con un duelo real, que es el truco más difícil que existe. Everything Everywhere All at Once ganó siete Oscar, entre ellos el de mejor película, con una comedia de multiversos construida alrededor de una auditoría fiscal de una lavandería, y le dio a Michelle Yeoh el papel que su carrera llevaba cuatro décadas esperando. Debería haberse derrumbado bajo su propio ruido; en cambio, siguió encontrando a una madre y a una hija en el centro de cada universo.

3. Hereditary

El debut de Ari Aster redefinió lo que al terror de estudio le estaba permitido ser: primero el duelo, después el pavor, y sustos de golpe casi nunca. Hereditary se sostiene sobre la interpretación de Toni Collette, la cota más alta del género moderno, y sobre la lenta constatación de que lo peor de la casa es la propia familia. Una década de imitadores no se ha acercado a la escena de la mesa del comedor.

4. The Zone of Interest

Jonathan Glazer filma la cómoda rutina doméstica de una familia junto a Auschwitz y deja que el diseño de sonido cargue con el horror que la cámara se niega a mostrar. The Zone of Interest es la película más formalmente radical que ha estrenado A24 y la más difícil de sacudirse una vez termina, precisamente porque no mira ni una sola vez por encima del muro. El mal es puramente ambiental, y ese es el punto.

5. Uncut Gems

Los hermanos Safdie convirtieron la ansiedad en un arma, un ataque de pánico de dos horas, y extrajeron de Adam Sandler la interpretación de su carrera. Uncut Gems es lo más físicamente agotador de esta lista: un hombre que cava su propio pozo con las dos manos y sonríe durante todo el descenso. Más que verla, la sobrevives.

6. The Lighthouse

Robert Eggers rodó en blanco y negro sobre un encuadre estrecho, casi cuadrado, escribió los diálogos a partir de diarios de marineros del siglo XIX y, de algún modo, la hizo divertida. The Lighthouse entrega a Willem Dafoe y Robert Pattinson un duelo interpretativo que se cuaja de la comedia al mito, todo sal, alcohol y mal tiempo. Es una de esas raras películas que se vuelve más extraña y más segura de sí misma a la vez.

7. Lady Bird

El debut en solitario como directora de Greta Gerwig es la película sobre madres e hijas más precisamente observada de su década. Lady Bird es la que la convirtió en una directora a la que los estudios confiarían una franquicia, y se gana esa confianza en apenas noventa minutos de Sacramento, primer amor y pequeñas humillaciones. Saoirse Ronan y Laurie Metcalf no dan una sola nota falsa entre ambas.

8. Ex Machina

La pieza de cámara de Alex Garland sobre una inteligencia artificial y el programador enviado a ponerla a prueba ha envejecido hasta parecer casi un documental. Ex Machina ganó el Oscar a los efectos visuales con un presupuesto que la mayoría de los blockbusters se gasta en catering, y aún plantea las preguntas más afiladas del género con tres actores y una casa. Alicia Vikander hace que la máquina resulte más humana que los hombres que la rodean.

9. Past Lives

La primera película de Celine Song saca más partido de la contención que la mayoría de los directores con una orquesta al completo. Past Lives es un romance en el que casi no ocurre nada y en el que todo está en juego: dos personas y las vidas que no eligieron, sentadas en silencio entre ambas a lo largo de dos décadas y un océano. La escena final no necesita diálogo alguno.

10. Minari

La historia de inmigrantes en Arkansas de Lee Isaac Chung es generosa donde fácilmente podría haberse vuelto amarga. Minari le dio a Youn Yuh-jung un Oscar a los setenta y tres años y convierte una granja en quiebra en una de las películas sobre la familia más cálidas de la década, sin fingir jamás que el trabajo sea otra cosa que duro. Se gana su gracia por la vía lenta.

11. The Witch

Robert Eggers inauguró a la vez la reputación de A24 en el terror y la carrera de Anya Taylor-Joy con una sola granja al borde de un bosque. The Witch y su inflexible lenguaje de época hicieron que cada imitador del folk horror que vino después pareciera ruidoso y barato en comparación. El pavor aquí es paciente, agrícola y total.

12. Aftersun

Charlotte Wells levantó un debut a partir de imágenes de videocámara y de las cosas que un padre y una hija dejan sin decir. Aftersun funciona por completo en el hueco entre lo que el personaje de Paul Mescal le muestra a su hija y lo que le oculta, y golpea como un impacto que solo sientes de camino a casa. Casi nada se enuncia; todo se siente.

13. Good Time

La deriva nocturna por Nueva York de los hermanos Safdie es la película en la que Robert Pattinson dejó de ser un antiguo ídolo adolescente para convertirse en uno de los mejores actores de su generación. Good Time no para de moverse, una mala decisión que se agrava en otra peor bajo la luz de sodio de las farolas, y Pattinson mantiene unida toda la carrera. Es a la vez una descarga de adrenalina y una acusación.

14. Under the Skin

Jonathan Glazer metió a Scarlett Johansson en una furgoneta en Glasgow con cámaras ocultas y firmó la película de ciencia ficción más extraña de lo que va de siglo. Under the Skin llegó antes de que nadie supiera del todo qué era una película de A24, y todavía parece transmitida desde algún lugar más frío y más lejano. La banda sonora de Mica Levi hace la mitad del embrujo.

15. Midsommar

Ari Aster disfrazó una película de ruptura de unas vacaciones de folk horror y lo rodó todo bajo una luz diurna implacable. Midsommar se sostiene sobre el duelo de Florence Pugh; la secta, las flores y la célebre sonrisa final son casi incidentales frente a él. Pocas películas han conseguido que la luz del sol resulte tan amenazante.

Mucho trabajo sólido se queda justo fuera de esta lista. The Florida Project, First Reformed, The Green Knight, The Farewell, A Ghost Story, Eighth Grade y Talk to Me anclarían por sí solas el catálogo entero de una distribuidora menor, y el hecho de que no hayan entrado es el mejor argumento de lo profundo que es este banquillo.

Lo que mantiene unida a la lista no es un estilo de la casa: es un método de la casa. A24 no deja de entregar películas difíciles a las personas que más quieren hacerlas, para luego apartarse del camino. Por eso el abanico aquí va de una silenciosa granja coreano-estadounidense a un prado sueco entre gritos, y por eso la próxima gran película probablemente ya se esté rodando en algún sitio con un presupuesto que nadie más aprobaría.

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